miércoles, 21 de mayo de 2014

Important unique piece sculpture by the Spanish artist Salvador Dali, will be offered for sale this Thursday may 27th of 2014 on public auction at Madrid.

Dear Sirs:

Good Morning.

We share this information for connoisseurs or people and institutions that may be interested or know who might have it, Subastas Segre, traditional, recognized and well reputed auction house and company in Madrid, Spain is soon to offer an exquisite and important unique piece sculpture by the Spanish artist Salvador Dali, the piece titled “Gala” (Helena Devulina Diakanoff) will be offered for sale this Thursday may 27th of 2014 on public auction.

With a low estimate, the auction house expects arouse the interest of the public to obtain the largest possible number of bids in this magnificent artwork.

More Information about this lot:


This bronze sculpture is a portrait of Gala that evidences the trend of Dali of stylistically imitate other artists, making his own style may be defined as a "pastiche".

Thematically, Dalí was noted for his surreal creativity, especially in their dream based paintings where the technical aspect, in the beginning, resembled not to be at all innovative, but after being inspired by the avant-garde artists -mostly Picasso and Miró- in the twenties, he supported on the mostly academic painting that he complimented with his obsessive love for the detail.

In sculpture, even he worked the assembly in the spirit of Dada and Surrealism, also he frequently adopted, modelling in wax and later cast in bronze based on the expressionism inherited from Rodin that is defined on a very bumpy texture in which the drafting process leaves its traces, although the overall composition becomes into the purity of classical Greek art.

Here's Gala performed almost covered by a vast drape in a pose encoded by that tradition, to which reference is made explicit in the missing arm reminiscent of the famous "Venus de Milo". For Dalí, no woman but Gala could impersonate the goddess of love.



Fuente: VIP Auctions News

jueves, 27 de septiembre de 2012

La cita es el domingo 30/09/2012 a partir de las 11:30 a.m. - Alberto Asprino - "Antropometrías Indelebles..." en Fundación D.O.P., Las Mercedes, Caracas




HUELLAS INDELEBLES DEL COLECTIVO SE CONVIERTEN EN ARTE

 
El artista e investigador de las artes visuales Alberto Asprino mostrará una gran instalación fotográfica con más de 120 fotografías en variados formatos y un video-arte, todos partiendo de un registro urbano y serial con las manchas y figuras que sobre el papel marca la tinta azul añil en un acto de votación, muestra que bajo el título de  “ANTROPOMETRÍAS INDELEBLES” se inaugurará el domingo 30 de septiembre, a las 11:30 a.m., en la sede en Caracas de Fundación D.O.P., ubicada en la Av. Principal de Las Mercedes.

 Esta serie, testimonio del inconsciente, es parte de una temática de impronta urbana que el artista marabino viene desarrollando, junto a sus collages y piezas escultóricas en madera, en los últimos 12 años.

            Manchas, huellas irregulares, gestos de un acto colectivo que han sido pacientemente recogidas y seleccionadas por el artista para expresar una intencionalidad en cada gesto individual.


 


Antropometría: (Del griego ἄνθρωπος hombre, humano; y μέτρον: medida, lo que viene a significar "la medida del hombre"), es la sub-rama de la antropología biológica o física que estudia las medidas del hombre.

Con la aparición en el mundo del arte de las primeras “Antropometrías” (término que acuñó en 1960 el internacionalmente reconocido crítico de arte francés Pierre Restany para entonces titular el trabajo que presentó el también francés y renombrado maestro del arte Yves Klein), creadas a partir de una coreografía en la que un grupo de mujeres dejaba la huella de sus cuerpos, impregnados de pintura azul-añil, en la superficie del lienzo, Klein demostró claramente su preocupación por los fines espirituales, adoptando distintas formas apoyado en su obsesión por la idea del vacío.




Es una acción en el tiempo, y su éxito radica en que esta relacionado con la precisión y la belleza del gesto, que se proyecta en la realidad física de la obra.

Las Antropometrías o pinceladas vivientes se refieren en cierto modo en medir el cuerpo humano. Consisten en impresiones del cuerpo o partes del mismo sobre el soporte (tela, papel, madera o cualquier medio que permita fijarlas) mediante pintura, tinta o fuego, en las que no hay concurso aparentemente consciente de la mano misma del artista.

El resultado es una imagen completamente fiel al original, una huella, una medida objetiva del cuerpo o de parte de él, es decir, la evocación del objeto del modo más concreto posible.

No obstante esta representación objetiva del cuerpo no se refiere tanto a su dimensión fáctica como a su espiritualidad, representada por el paisaje de la mancha. Ambos sirven de intermediarios entre lo material y lo espiritual, entre el cuerpo y la mente, lo visible y lo invisible.

Con su creación de las primeras Antropometrías, Yves Klein reveló una nueva concepción de la función del artista. Nunca es estrictamente el autor de una obra ya que sólo plasma y transmite la belleza que ya existe en el estado invisible. Su tarea es tomarla dondequiera que está en el aire, en el material o la superficie del cuerpo para permitir al espectador ver, compartir, apreciar y ser conscientes de esta belleza.




Es la realidad invisible que se hace visible. La reducción de color azul-añil está jugando el papel del aire pictórico material, vacío, nacido de la fuerza de la mente y la imaginación. Por último, los pinceles vivientes técnicos o "antropometría", es dejar la tarea para el cuerpo humano a la mesa, poniendo el artista detrás.

En Venezuela el acto electoral, cuya última fase activa de los electores luego de sufragar consiste en impregnar el dedo meñique en tinta azul-añil indeleble y frotarla contra una servilleta o papel secante, dejando allí la expresión de nuestras emociones respecto a ese breve pero importante momento no nos damos cuenta de que, involuntariamente, estamos creando nuestras propias “antropometrías”, prácticamente en un proceso técnico idéntico al utilizado por Klein el siglo pasado. Invisible belleza, emoción, piel (cuerpo), tinta azul-añil, movimiento y expresión indeleble transferida al papel.


Sólo la aguda visión y el madurado entendimiento conceptual del artista venezolano Alberto Asprino fue capaz de darse cuenta de ello y de convertir esa realidad, esa belleza invisible, en variados paisajes de infinita profundidad, en el que muchos, aunque sin querer, hemos sido cómplices de su creación, haciendo que cada uno de ellos sea tan individual como nosotros mismos bajo la audaz mirada del artista quien se encargó de elevarlos a la calidad de
obra de arte. Como resultado, la obra de arte es la huella verdadera de la comunicación entre el artista y el mundo.

Es nuestra opinión en Fundación D.O.P., que el propósito de su enfoque sigue siendo plenamente la teoría artística, así como sus innovaciones de pensamiento creemos deben ser interpretados como contribuciones importantes al desarrollo del arte contemporáneo en Venezuela y más allá de sus fronteras en el que el artista es claramente consciente. Esta muestra y  trabajo del artista nos debe demostrar que, aunque en muchos casos la nueva generación de creadores rechazan el objeto estético per se en pro de favorecer sólo el concepto, Asprino es capaz amalgamar objeto y concepto, de heredar las innovaciones de otros tiempos, actualizarlas y evolucionarlas aún más allá de la tendencia artística habitual, trayéndola al siglo XXI y adaptándola a uso de los medios de vanguardia. El resultado: una obra actual, plena de belleza y, además, indeleble en el tiempo.





La muestra “ANTROPOMETRÍAS INDELEBLES” se estará presentando  del 30 de septiembre hasta el 18 de noviembre de 2012 en las Salas 2, 3 y Espacio Metamórfico de la Fundación D.O.P. en su sede de Caracas, ubicadas en el nivel Planta Baja de la Torre D.O.P. - Multicentro Las Mercedes, Av. Principal Las Mercedes. La muestra puede ser visitada en los siguientes horarios, válidos también para visitar otras exhibiciones y/o actividades que se llevan a cabo en la institución: martes y miércoles de 2:30 a 6:00 p.m, jueves a sábado de 2:30 a 7:00 p.m. y los domingos de 11:30 a.m. a 5:00 p.m. Lunes cerrado. Entrada libre.





 Fuente: Dpto. de Prensa Fundación D.O.P.
 

02/10/2012 - Fotoperiodismo: encuadres al límite. Encuentro con Ioan Grillo y Oliver Schmieg






Dos profesionales especializados en la cobertura de acontecimientos extremos ofrecerán su visión sobre cómo logran sincronizarse fotógrafo y periodista en ambientes de alto riesgo para contar una historia; la actividad es organizada por Proyecto Trocadero y se realizará el martes 2 de octubre a las 8:00 de la noche en los espacios de RMTF



El fotoperiodismo es una actividad artística e informativa que combina crónica social y de memoria histórica, y se vale de imágenes para narrar y para dar a conocer noticias. La fotografía periodística es retadora y difícil: implica seguir los momentos más difíciles del ser humano y componer en una sola imagen la historia que habla del individuo y de su realidad. Ejercer el periodismo en conflicto es, tal vez, el mayor sacrificio que hace un periodista, pues arriesga lo más preciado, su nombre y su vida.



¿Cómo logran sincronizarse un fotógrafo y un periodista durante condiciones extremas para lograr una buena cobertura? Oliver Schmieg y Ioan Grillo, quienes se especializan en la cobertura de acontecimientos extremos –como la guerra entre narcotraficantes y gobiernos- responderán a esta interrogante en la charla que ofrecerán en la sede de RMTF. “Queremos mostrar a los participantes una visión del estado actual de la fotografía documental y el periodismo en la realidad contemporánea, con un manejo eficaz de los recursos narrativos implicados en la construcción del discurso visual”, explica Schmieg.



A partir de dos puntos de vista diferentes, habrá una reflexión sobre las distintas formas de escrutar la realidad entre un periodista y un fotógrafo, se mostrarán las imágenes y las palabras como modelos de relación, se analizará la interacción entre los discursos textuales y visuales, para luego explicar cómo se puede enriquecer el trabajo en equipo y cómo aplicar estos conocimientos a las relaciones laborales con el medio y editores. Así mismo, los invitados responderán dudas e inquietudes de los asistentes.



La charla con Ioan Grillo y Oliver Schmieg es organizada por Proyecto Trocadero y la invitación está abierta a estudiantes, fotógrafos profesionales y público en general. La actividad, programada para el martes 2 de octubre a las 8:00 de la noche, será transmitida en vivo a través de Internet, en colaboración con Tráfico Visual (www.livestream.com/traficovisual).



Oliver Schmieg (Alemania) es fotoperiodista graduado en la Universidad de Munich. Tiene 12 años ejerciendo en Colombia, país donde se ha enfocado en temas como el narcotráfico y sus consecuencias. Ha colaborado para medios como National Geographic, Sunday Telegraph, La Liberation, Al Jazeera, Profil, Gatopardo y Rolling Stone y trabaja con la agencia de fotografía Keystone (Hamburgo). También ha sido docente de fotoperiodismo en la Universidad Externado y la Universidad Javeriana (Colombia).



Ioan Grillo (Reino Unido) es periodista y, desde 2001, ha estado informando sobre el comercio ilegal de drogas en México y América Latina. Corresponsal de Reuters y la revista Time, además de productor de informes especiales de televisión y documentales para las emisoras, incluyendo PBS y el Canal 4 del Reino Unido; también ha trabajado como reportero de CNN, The Houston Chronicle y The Sunday Telegraph. Es autor de El Narco: La insurgencia criminal dentro de México, libro en que combina testimonios de primera mano con un exhaustivo análisis de los antecedentes históricos –es uno de los 10 mas vendidos a escala mundial-.



Proyecto Trocadero es una iniciativa emprendida en 2011 por el fotógrafo Carlos De Castro y Roberto Mata Taller de Fotografía cuyo fin principal es ofrecer a la comunidad venezolana la posibilidad de intercambiar conocimientos y experiencias con figuras de relevancia internacional; Nico Baumgarten (Alemania), Kevin German (EEUU), Luca Pagliari (Italia), Henry Horenstein (EEUU), Salvatore Elefante (Italia) y Aleix Plademunt (España) son algunos de los fotógrafos que han realizado en Caracas la dinámica Expo + Charla + Taller, invitados por Trocadero. Este proyecto es posible gracias al apoyo de Pastelería Danubio, Mokambo Café, Antigua Bistró, Café Madame Blac, Café Panini, Larga Distancia Expediciones Fotográficas y Contra la pared.



Fotoperiodismo: Encuadres al límite – Encuentro con Ioan Grillo y Oliver Schmieg
Fecha: martes 2 de octubre de 2012
Hora: 8:00pm
Lugar: Roberto Mata Taller de Fotografía, Av. Trieste con Av. Madrid, La California Sur
Fuente: Mílitza Zúpan

jueves, 12 de julio de 2012

17 de julio 2012 a las 8:00 p.m. - Elementos fotográficos en el trabajo de Nayarí Castillo


Encuentro con la artista

El martes 17 de julio a las 8:00 de la noche Nayarí Castillo ofrecerá una charla en los espacios de Roberto Mata Taller de Fotografía que será transmitida en línea, a través de Tráfico Visual

En la vasta trayectoria de Nayarí Castillo destacan las instalaciones en el espacio, en las que objetos, imágenes, texto y video elaboran un solo discurso, sin embargo, en sus inicios era la fotografía el medio principal y todavía hoy significa un elemento vital en su obra. En la charla que ofrecerá en la sede de RMTF, la artista se centrará en la presencia de elementos fotográficos en su trabajo

"Esta charla plantea un encuentro informal con ella justamente para indagar en los límites de lo que es capaz -o no- la fotografía como elemento dentro de su discurso plástico, y cómo ésta comienza a entrar en diálogo con otros formatos para articular el modo instalativo en el que esta importante creadora venezolana trabaja", explica la investigadora y docente Lisa Blackmore, moderadora del encuentro. Actualmente, Castillo expone la muestra Epigramas Sonoros en La Caja del Centro Cultural Chacao.

Durante el evento, programado para el 17 de julio a las 8:00 de la noche, la artista hará un repaso por su obra, dando pie a la interacción con el público asistente y virtual, pues será transmitido en vivo a través de Internet, en colaboración con Tráfico Visual (www.livestream.com/traficovisual). La entrada es libre y está abierta a estudiantes, profesionales y todos aquellos interesados en la actividad artística y fotográfica.

Nayarí Castillo (Caracas, 1977) es bióloga y artista; hoy alterna su día a día entre Berlín (Alemania) y Plymouth (Inglaterra). Ganadora del Premio del Salón Arturo Michelena (2004) y el del Primer Premio del Salón Jóvenes con FIA (2005), entre otros reconocimientos, ha exhibido su obra en ciudades de Asia, Europa y Latinoamérica.

Roberto Mata Taller de Fotografía es una escuela que pretende recrear un ambiente en el cual los alumnos armonicen el reto que supone la concepción de una imagen y el apoyo mismo que implique obtenerla. Asimismo, es un espacio que se dedica a promover e intercambiar ideas sobre todo lo que se refiere al hecho fotográfico. Desde sus inicios –en agosto de 1993- ha atendido más de 2000 alumnos, muchos de los cuales se mantienen vinculados activamente al Taller y a la fotografía.

Encuentro con Nayarí Castillo

Fecha: martes 17 de julio de 2012

Hora: 8:00 PM

Entrada libre

Lugar: Roberto Mata Taller de Fotografía, Av. Trieste con Av. Madrid, La California Sur (www.robertomata.net)

Fuente: Mílitza Zúpan

CACRI 2012 - Un buen intento que olvidó lo más importante....EL PÚBLICO

Hace un tiempo me topé con un libro compilado por el crítico y curador español José Jiménez. Un capítulo me atrapó en esta publicación titulada Una teoría del arte desde América Latina. Ese día llegaba de visitar la Feria de Arte Contemporáneo Cacri que acaba de inaugurar su primera edición como alternativa desenvuelta y "contraparte casual" de la Feria Iberoamericana de Arte.

El capítulo en cuestión está escrito por Luis Camnitzer y lleva por nombre "La figura del artista". Me sumí en sus páginas intentando procesar la experiencia vivida en el pequeño recinto que había encontrado en la Casa de Hacienda del Parque Cultural La Trinidad. El texto es una lúcida reflexión sobre el papel del artista en nuestros engañosos ámbitos de protagonismo inmediato y de narcisismo historicista propagado por la ambivalencia global. En su discurrir el principal eje afronta a aquel artista del siglo XX que se definió como trabajador cultural y creador al margen frente al oportunismo personal del productor de mercancías. Para Camnitzer esta diatriba sigue vigente aunque el contexto actual sea menos claro, pues los desplazamientos del poder de la información, los públicos eventuales y las segmentaciones cada vez más solapadas del mercado obligan a que el artista deba ser mucho más contundente en las decisiones sobre su ejercicio creador: "Es fácil confundir el arte nuevo con la artesanía nueva, pues la invención o exploración de la novelería muchas veces es malentendida como una demostración de originalidad. Pero si bien es una actividad que enriquece la posibilidad de creación, no enriquece la creación. La figura real del artista, en ese aspecto no ha cambiado, debiera continuar siendo definida por la expansión del conocimiento". Más allá de la cuidada publicación a cargo del taller de diseño de Álvaro Sotillo y Gabriela Fontanillas, a Cacri le faltó expansión del conocimiento. Debemos reconocer que es un buen intento en el que entraron en juego excelentes propuestas de creadores como Luis Arroyo, Daniel Medina, Oscar Abraham y María Antonia Rodríguez, quienes a través del performance, la instalación, la intervención urbana o la desestructuración de los materiales consolidaron las mejores piezas exhibidas en el lugar: un correcto engranaje entre las perspectivas críticas (sociales, políticas, emocionales, históricas o antropológicas) de cada uno y los lineamientos que las posicionaron en el afuera.

Sin embargo, aunque el esfuerzo organizativo delineó aliados editoriales, sponsors y testimonios pertinentes sobre la creación actual, una gran debilidad parece contradecir las intenciones contemporáneas: el papel del público.

Fui a Cacri el lunes en la tarde. Además de los conocidos de las artes plásticas, pocos eran los espectadores inusuales. La mayoría de los cubículos carecían de clasificación por autor, lo que causaba una confusión museográfica que desde las paredes debilitaba la comunicación. Cuando entré en el espacio de Oficina#1, un joven animoso se encontraba en el escritorio conversando con una chica, no me dio ningún tipo de información, como si el visitante debiera saberlo todo. Al asomarme para ver el proyecto de Rafael Serrano lo encontré apagado: "Es que el bombillo del videobeam se quemó", me dijo. Bajó la mirada y siguió en sus asuntos.

Lo que necesitamos preguntarnos es ¿para quién inscribimos estos lugares? ¿Hacia dónde va nuestro esfuerzo? ¿Es un relato autobiográfico de nosotros para nosotros mismos? ¿Cuán contemporáneos somos y dónde está el mundo mientras seguimos mirándonos en nuestro propio reflejo?


Fuente: Lorena González

viernes, 22 de junio de 2012

Invitación para este domingo 24 de Junio a la inauguración de la exhibición "Ser, To be, Être" de Rámses Larzábal en Fundación D.O.P.- Caracas


En las Salas 2, 3 y el Espacio Metamórfico de la sede en Caracas de La Fundación D.O.P., se llevará a cabo la la exposición "Ser, To be, Être" del artista cubano (residenciado en Venezuela) Ramsés Larzábal. Una experiencia diferente, sin antecedentes en nuestro país en la obra del artista que parte de la definición de Ser como el atributo filosófico griego que se le adjudica a una entidad capaz de definirse a sí misma frente a un medio.



Una instalación de enormes proporciones concebida por el artista especialmente para este espacio. Una obra que como el ser es un objeto capaz de evaluar las transacciones de cargas entre el medio y el sistema que es capaz de observarse a sí mismo, que trasciende y rebasa todos los entes sin ser ella misma un ente, es decir, sin que ningún ente, por muy amplio que sea y se presente, la agote.Una obra que nos permite, más allá de posicionarnos como simples expectadores, a participar, ser y formar parte de los dibujos y garabatos del artista, que nos permite penetrar dentro de ellos, relacionarnos, encontrarnos en su interior y mirar desde allí aún más adentro y hacia afuera mientras nos vamos fusionando involuntariamente con sus complejos trazos.



Usted podrá apreciar un conjunto de obras contentivas de elementos que ya forman parte de la identidad del artista, que representan una reflexión del paisaje interiorizado en su memoria y donde busca expresarnos sus más sinceras emociones. Un espacio sensorial que nos invita a descubrir los contenidos que se pueden predicar del ser.

Dirección: Avenida Principal de las Mercedes, Torre D.O.P. - Multicentro Las Mercedes
(entre calles Monterrey y Mucuchíes), Caracas.
Referencia: Antes de la Plaza Alfredo Sadel, frente al restaurante "Mamma Mia", donde se encuentra el restaurante Subway.

Cocktail e Inauguración: 24 de junio de 2012 a partir de las 11:30 a.m. Servicio de Valet Parking para los visitantes a la exhibición, cortesía Fundación D.O.P.

Todos estan invitados, la entrada es sin costo y la sede cuenta con estacionamiento propio para su vehículo.


La muestra puede ser visitada posteriormente hasta el domingo 26 de agosto 2012 en los siguientes horarios, válidos también para visitar otras muestras y/o actividades que se llevan a cabo en la institución
(Actualmente Paul Signac en la Sala 1):
Martes y miércoles de 2:30 p.m. a 6:00 p.m.
Jueves a sábado de 2:30 p.m. a 7:00 p.m.
Domingos de 11:30 a.m. a 5:00 de la tarde. Lunes cerrado.

Para mayores detalles se encuentra a disposición el portal en la red: www.fundaciondop.org donde se haya información actualizada de esta exhibición, otras exposiciones en curso, historial y futuros eventos de la Institución y de las actividades relacionadas a estas.
Teléfonos: +58-212-3260226 / +58-212-3260227
Twitter: @fundaciondop (español) / @DOPFoundation (english)
Facebook: Fundación D.O.P. (español) / D.O.P. Foundation (english)


Fuente: Deartamento de Prensa Fundación D.O.P.

Lectura en la Sala Mendoza/Universidad Metropolitana/domingo 24 dejunio


LA MÁQUINA DE HILAR

Una máquina de hilar es una máquina que transforma la fibra en hilo para tejer y bordar. Pero cuando se trata del trabajo poético de Elisabetta Balasso, la máquina de hilar es también máquina de escribir que devela, cómo tejer y escribir tienen algo en común y lo común entre ellas es que traman hilos en una urdimbre, tejen tramas de sentido que “unen este mundo con otro”.

El evento que hoy presentamos tiene el propósito de mostrar cómo las obras de creación concebidas como máquinas de hilar que se tejen a sí mismas y a la vez tejen hilos con otras máquinas, dan lugar a tramas de sentido imprevistas e inéditas. La máquina-Gego y la máquina-Balasso despliegan sus múltiples hilos para conectarse allí donde todavía no es dado saberlo y desencadenan nudos y tejidos, modulaciones y ecos, trazos y tramas que suspenden la propiedad misma del arte y de la significación mostrando la potencialidad de la creación para generar otros modos de imaginar el mundo. En este contagio de formas y de imágenes solo hay lugar para el desencuentro, para la no coincidencia, para la diferencia en la semejanza como ocasión para volver a mirar aquello que creíamos saber y para pensarlo de otro modo.

Mirar a Gego a partir de la máquina de hilar de Elisabetta Balasso es una aventura donde lo que está en juego son los ojos y el oído porque cuando dos máquinas se contagian uno no sabe el alcance de sus consecuencias y del estruendo que sus engranajes pueden producir.

Siguiendo el hilo de las tejeduras, y usando como escenografía la exposición de Gego, se leerán textos seleccionados del libro inédito a cuatro voces LA MÁQUINA DE HILAR, de Elisabetta Balasso, dedicados al tejido y lo textil. En las voces de Ana María Del Re, Ruth Hernández Boscán, Luis Miguel Capriles y Gina Saraceni, cobrarán vida personajes de la mitología clásica, la literatura universal y los cuentos de hadas y tomará forma la voz del viento gracias al aliento de Yadith García, Sebastián León y Mauricio Vivas. Se trata de un experimento poético-teatral que busca tejer los hilos de la obra de Gego con los de Balasso en una trama cuya potencia radica en su carácter impredecible y efímero. Una trama que no se deja amarrar sino deshaciéndose y volviendo a comenzar.

(Texto: Gina Saraceni)

LUGAR:

Sala Mendoza/Universidad Metropolitana/domingo 24 de junio/11 a.m.

Fuente: MILITZA ZUPAN