EN CARACAS -EXHIBICIÓN: CHEMA MADOZ | METAMORFOSIS DEL PENSAMIENTO DEL 06-10-11 AL 04-12-11

Del 06 de octubre al 04 de diciembre del corriente, en las instalaciones de Odalys Galería de Arte en el C.C. Concresa y Fundación D.O.P. en la Urb. Las Mercedes, se desarrollará la exposición del importante fotógrafo español Chema Madoz, con una serie de obras originales autoría del artista madrileño y Premio Nacional de Fotografía (España, año 2000) entre otros numerosos reconocimientos obtenidos a lo largo de su fructífera trayectoria.

Titulada “Metamorfosis del pensamiento” y a pesar de la activa agenda expositiva que mantiene el artista a nivel mundial, es la primera muestra del Madoz en Venezuela por iniciativa de instituciones privadas y la segunda vez que se exhibe en nuestro país luego de una ausencia de más de 10 años, desde su última vez en Museo de Bellas Artes de Caracas en el año 2001. En esta oportunidad, la exposición no solo reúne aquellas obras que el artista considera algunos de sus mejores trabajos, sino que, en conjunto, propicia el ambiente donde se da la oportunidad de un diálogo entre la obra y el espectador. El arte de José María (Chema) Madoz es una continua experiencia del artista con cada uno de sus trabajos, un corpus de revelaciones, en ocasiones fantásticas y a menudo inexplicables: la luz, el agua, los arboles, las nubes, los objetos de medición o las notas musicales pueblan unas imágenes llenas de belleza y misterio, de desafíos y enigmas que el espectador se ve obligado a resolver.

A la obra de Madoz le caracterizan el uso sistemático del blanco y negro así como la ausencia de títulos en sus creaciones para dejar la imagen abierta a la libre interpretación, para, con una extrema limpieza y unos recursos mínimos, crear toda una imaginería de marcado carácter conceptual y con una vasta relación con el lenguaje poético: analogías, metáforas, sinestesias o metonimias visuales que exigen la colaboración activa del espectador tras haberle proporcionado el regalo de la sorpresa. Al igual que Joan Brossa (ya que ambos exploraron visiones paralelas el lo que al trato del objeto en lo que a sus creaciones se refiere), parte, como él, del objeto (casi ready-made duchampiano) para hacer que la idea lo supere al convertirlo en una paradoja de enorme potencia visual y poética. Es, la suya, alta literatura que alimenta sus fuentes de símbolos y reflexiones que acompañan al hombre a lo largo de su historia. Así la frágil armonía de sus objetos fuera de lugar, despojados de sus atributos o dotados de otros inesperados, nos hacen preguntarnos por qué esas geniales perversiones no se nos ocurrieron a nosotros antes.

Esta iniciativa es posible gracias el esfuerzo y el trabajo de investigación conjunto de dos instituciones de reconocida trayectoria en nuestra ciudad: Odalys Galería de Arte y la Fundación D.O.P., además, en estrecha colaboración con el artista. Está comisariada por Odalys Sánchez, autora también del texto que acompaña el catálogo y el equipo de Curaduría de Arte de la Fundación D.O.P. Incluso, cuenta con un video-entrevista cedido por el artista y la música de John Cage (cuya versatilidad de medios otorga límites tan amplios al objeto para la obra de arte como lo hace Madoz), que formarán parte de las exhibiciones.

Está conformada por una treintena de piezas de variados formatos, lo que permite una lectura coherente del trabajo del artista y dividida en dos partes para optimizar su percepción y permitir al espectador el tomarse el tiempo necesario para analizar y descifrar el enigma que encierra cada fotografía sin saturarse. Una de ellas se exhibe en los espacios de la Sala 2 de la Odalys Galería de Arte, ubicada en el Centro Comercial Concresa, Nivel PB, Local 115, Urb. Prados del Este y la otra tiene lugar en las Salas 2 y 3 de la Fundación D.O.P. ubicadas en avenida Principal de las Mercedes, Torre D.O.P. - Multicentro Las Mercedes (entre calles Monterrey y Mucuchíes), Caracas. La muestra puede ser visitada, en ambas sedes, hasta el domingo 04 de diciembre 2011 en los siguientes horarios:

-Odalys Galería de Arte de martes a sábado de 10:00 a.m. a 1:00 p.m. y de 2:00 p.m. a 6:00 p.m. Domingo y lunes cerrado.

-Fundación D.O.P. los martes y miércoles de 2:30 p.m. a 6:00 p.m., jueves a sábado de 2:30 p.m. a 7:00 p.m. y los domingos de 11:30 a.m. a 5:00 de la tarde. Lunes cerrado.

Todos quedan invitados, serán bienvenidos, la entrada es sin costo y ambas sedes cuentan con estacionamiento para su vehículo. Para mayor información ponemos a disposición nuestros portales en la red: www.odalys.com y www.fundaciondop.org donde encontrará información actualizada de esta exhibición y de las actividades relacionadas a ella.

Fuente:

www.odalys.com

www.fundaciondop.org

El Hermitage de Ámsterdam acoge a los maestros flamencos de la pintura.

Rubens y Van Dyck firman las obras de la Escuela de Amberes expuestas en la sucursal holandesa del museo ruso.

La hoy ciudad belga de Amberes fue en los siglos XVI y XVII el imán comercial y artístico de Flandes. Entre sus residentes ilustres figuraron Rubens y Anton van Dyck, que dieron cuerpo a la Escuela flamenca de la pintura. Hasta el próximo 16 de marzo éà&é, sus telas y dibujos, y también los de colegas como Jacob Jordaens, podrán verse en el Hermitage de Ámsterdam, la sucursal holandesa del museo ruso de San Petesburgo, que ha cedido un centenar de obras.

La colección de pintura flamenca ahora expuesta fue reunida por la legendaria Catalina la Grande. Su título no da rodeos: Rubens, Van Dyck y Jordaens, pintores flamencos en el Hermitage, 1500-1650. Lo primero que llama la atención es el enorme tamaño de los cuadros. Sobre todo los de Rubens, pintor apadrinado por estadistas poderosos como Felipe IV de España y Carlos I de Inglaterra. El pintor ejerció de diplomático entre las cortes europeas y tuvo un taller en Amberes. Allí, el trabajo se distribuía en tres categorías: las obras pintadas por él en su totalidad; cuadros donde solo el rostro y las manos retratados eran suyos; y las piezas que supervisaba al final. De ahí que se conserven cerca de 1.500 cuadros con su sello en el mundo.

Los 17 colgados en el Hermitage holandés evidencian su habilidad. Un Cristo con la corona de espinas (1612), salido solo de su pincel, y un Descendimiento de la Cruz (1618), ejecutado con ayuda de sus alumnos, tienen grandeza y delicadeza al mismo tiempo. Rubens era un católico ferviente, y la escena del Descendimiento era para el altar mayor de la catedral de Amberes. Tanto gustó la obra que luego se hicieron varias versiones en el taller. La que puede verse ahora es una de esas piezas. Rubens pintó la figura de Cristo y el rostro de la Virgen y dio el toque final. En la mitología también destacó, y en una ocasión, colaboró con otro flamenco famoso, Frans Snyders. La tela se titula La unión de la Tierra y el Agua (1618).

"Rubens tuvo un éxito enorme, y los encargos superaban su capacidad productora. Pero nunca ocultó su modo de trabajo a sus clientes", según Ernst Veen, director del Hermitage holandés. Es más, cuando la tela era toda suya, cobraba más por ella.

Entre sus alumnos, el más aventajado fue Anton van Dyck. El propio Rubens le ayudó a obtener contratos fuera de Flandes. Reconoció su valía, pero temió que pudiera hacerle sombra. Con el tiempo, Van Dyck fue nombrado primer pintor de corte en la Inglaterra de Carlos I. Especializado en retratos, la muestra incluye diez, imponentes en su severidad. Y es que donde Rubens pintaba sonrisas, Van Dyck dejaba un rastro contenido. Según los expertos, parecía analizar el personaje antes de pintarlo. Ello explicaría, tal vez, el recelo en las miradas de Nicolaas Rockox (1621) y de Sir Thomas Wharton (1639).

Entre los 75 cuadros y casi 20 dibujos expuestos en Ámsterdam hay joyas de Jacob Jordaens, otro grande entre los pintores flamencos. En su caso, dominan la alegría y vitalidad de los personajes, como en La fiesta de Cleopatra (1653). "Paradójicamente, Holanda no tiene tantos cuadros flamencos en sus museos como nosotros. Es un gozo haberlos traído", ha dicho Mikhail Piotrovsky, director del Hermitage ruso, al presentar la muestra.

GEGO - Gertud Goldschimdt

Gego (Gertrud Goldschmidt) fue una escultora venezolana, nacida en Hamburgo, Alemania en el año 1912.

Goldschmidt se graduó de Ingeniero, mención Arquitecto, en la Escuela Técnica de Stuttgart. En 1939, emigró a Venezuela, estableciendo su residencia en Caracas. En 1952 adquirió la nacionalidad venezolana y conoció a Gerd Leufert, diseñador gráfico y artista plástico, quien le motivó a iniciarse en las artes plásticas. En esa época Gego realizó sus primeras obras entre dibujos, acuarelas, monotipos y xilografías de carácter paisajista, figurativo y expresionista.

En 1957, comenzó a producir obras de carácter abstracto y simultáneamente, realizó experimentos en formas tridimensionales con papel, esperando convertir planos en volúmenes. En el año de 1954 participó en el XV Salón Oficial Anual de Arte Venezolano, siendo su primera exposición.

A partir del año de 1958 comenzó su labor docente en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo en la Universidad Central de Venezuela. Gego ejercció diferentes cargos docentes en importantes instituciones educativas de Venezuela, tales como la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas (1958 - 1959), Facultad de Arquitectura de la Universidad Central de Venezuela (1960 - 1967), y la Fundación Neumann – Ince (1964 – 1977).

En el año de 1959 viajó a los [[Estados Unidos]. En ese tiempo realizó esculturas en hierro, en las que plasmó la proyección de planos y líneas paralelas en superficies curvas. En 1960 su obra "Sphere", 1959 pasó a formar parte del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA).

Regresó a Venezuela en 1960, y al año siguiente fue organizada su primera gran muestra individual en el Museo de Bellas Artes de Caracas titulada "Dibujos recientes". En el año de 1962 realizó "Escultura para la sede del Banco Industrial de Venezuela", su primera gran obra de integración a la arquitectura, recibiendo su primer reconocimiento: el Primer Premio en la categoría de dibujo en la IV Exposición Nacional de Dibujo y Grabado. A partir de año 1964 comenzó a experimentar con el alambre de acero inoxidable en sustitución del hierro, lo que le permitiría plantearse obras ligeras y de generación más espontánea, enlaces flexibles y, también, a liberarse del empleo de herreros para la elaboración artesanal de su obras. En el año de 1966 viajó a Los Ángeles, Estados Unidos, invitada por el Tamarind Lithography Workshop y permaneció allí durante un año con una beca de Artist Fellow. En este lugar realizó lo que ha sido considerado como sus series más importantes de estampas.

Entre 1967 y 1969 realizó obras de integración a la arquitectura en compañía de Gerd Leufert, tales como la Torre y Mural del Centro Comercial Cedíaz (1967) y los Murales del la sede del Instituto de Cooperación Educativa (INCE) (1968 – 1969)

A partir del año 1969 se liberó del esquema de líneas paralelas y comenzó a diseñar dibujos con líneas entrecruzadas formando redes planas y moduladas. Los campos entre las líneas son de base triangular. De este sistema nació la obra Reticulárea, ambientación de mallas y redes, que fue instalada por primera vez en el Museo de Bellas Artes de Caracas. A finales de ese mismo año, Gego viajó a Nueva York donde instaló la Reticulárea en la Galería de Arte del Center for Inter American Relations.

En 1970 apareció la serie de obras llamadas chorros, con un sistema estructural vertical, suspendiendo desde lo alto acumulaciones de varillas de aluminio. En 1971 elaboró una serie de obras utilizando mallas y redes nuevamente, esta vez sustituyendo la base triangular por una cuadrada. Al año siguiente instaló la estructura ambiental Cuerdas para el Central Park.

En el año de 1974 comienzó a elaborar sus troncos, estructuras cilíndricas de mallas triangulares y base circular. En 1975 viajó a Laussane, Suiza, donde participó en la 7a Biennale Internationale de la Tapisserie con la pieza Reticulárea 75. En 1976 comenzó a producir las esferas para las que utiliza el mismo sistema de los troncos. A partir del año de 1976 inició su más extensa serie de obras tridimensionales, los dibujos sin papel, trazados en el aire con alambres y otros elementos, con los cuales se liberó de cualquier elemento constructivo preconcebido.

En 1977 se organizó en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas una importante exposición antológica de la obra de Gego, la cual generó el primer libro sobre la artista. En 1979 obtiene el Premio Nacional de Artes Plásticas de Venezuela.

En el año 1980 Gego se convirtió en miembro fundador del recién creado Taller de Artes Gráficas Asociadas (TAGA). En 1982 viajó a Fráncfort, Alemania, para participar en la muestra Spielarum – Raumspiele en la Alte Oper donde elabora e instala la ambientación "Reticulárea 82". En 1988 comenzó a desarrollar la serie Tejeduras, composiciones de tiras de papeles ilustradas que son entrelazadas sobre una superficie plana y, casi simultáneamente, la serie Bichitos, piezas tridimensionales de pequeño formato realizadas con materiales residuales. Gego murió en la ciudad de Caracas, Venezuela, en 1994.

Adiós a Richard Hamilton... Apagón en el "guateque" del pop art

Su obra investigó las transformaciones urbanas de la civilización occidental - Un 'collage' suyo de 1956 se adelantó al género que explotaría en los sesenta...

Con la muerte de Richard Hamilton en Londres, hoy 13 de septiembre de 2011, desaparece uno de los últimos grandes del arte. Viejo compañero de ruta junto a Andy Warhol en las filas del 'pop art', su legado se resumirá en la retrospectiva en la que trabajó hasta poco antes de morir y que recorrerá entre 2013 y 2014 Los Ángeles, Filadelfia, Londres y el Reina Sofía de Madrid.





Nacido en Londres en 1922, Richard Hamilton es una figura crucial del arte del siglo XX, en el segmento en el que esta centuria más ha incidido en la actualidad; esto es: en el pop art, sobre el cual todavía hay hoy discusiones académicas acerca de si es un invento británico o estadounidense, lo cual nos deja indiferentes. Todo el mundo, en cualquier caso, conoce la emblemática obra de Richard Hamilton titulada Pero ¿qué hace a los hogares de hoy tan diferentes, tan atractivos? (1956, collage 26x25 centímetros) donde en un apartamento de aspecto moderno observamos, tras unos amplios ventanales en el fondo que nos muestran una visión nocturna de la ciudad, un interior con un mobiliario más o menos exótico, en el que lo sorprendente es la presencia de un joven atlético que porta en su brazo derecho unas pesas, con el rótulo de Pop mientras en un sofá transversal una joven rubia también desnuda e igualmente bien dotada se mesa el cabello mirando hacia otra parte. Todo el ambiente está amenizado por un aparato reproductor de sonido que indudablemente alegraba el atardecer a estos jóvenes.

Es más que improbable que la realidad social británica todavía de posguerra se constituyera, en el ecuador de la década de 1950, en el modelo de desarrollo del capitalismo industrial, pero la imagen de Hamilton, hecha con collages fotográficos y con un dibujo sintético, no se puede negar que estaba en la vanguardia de lo que posteriormente divulgó el pop art americano a partir de la siguiente década de los años sesenta.

¿Cómo entonces este joven británico, cuyos estudios sobre arte se habían prolongado hasta 1951 por causa de la II Guerra Mundial, pudo convertirse en el heraldo de lo que ha constituido desde entonces hasta ahora la tendencia artística dominante, técnica y simbólicamente? La clave, sin duda, se debe, por un lado, al descubrimiento temprano de la obra de Marcel Duchamp y, por otro, a la lectura del libro Sobre el crecimiento de la forma, de D' Arcy Thompson, una combinación extraordinaria que pone en evidencia la dimensión conceptual y analítica del arte contemporáneo. La biografía artística de Richard Hamilton discurrió en los canales normales de una sociedad británica todavía provinciana pero que, entre 1952 y 1957, genera núcleos de incorformismo y experimentación, como el histórico de Independent Group, a través del cual se difunden las viñetas de los cómics y las nuevas estrategias de la publicidad de masas, junto a otros movimientos culturales que también revolucionan discretamente el hasta entonces conservador mundo teatral y cinematográfico de Gran Bretaña.

Después de unos inicios tan fulgurantes y espectaculares, la obra de Hamilton se sumergió en una investigación coherente, aunque más discreta, en la que este artista siguió explorando el mundo de los interiores domésticos y en general de la rápida transformación urbana de la civilización occidental. Es muy característica la serie significativamente titulada Interiores (1964-1979), en la que sigue con incorporaciones entremezcladas de elementos extraídos de la vía cotidiana y de la historia del arte. También tuvo un papel muy sobresaliente su intervención en una exposición que ha entrado en los hitos de lo que se puede considerar la vanguardia internacional de la segunda mitad del siglo XX: This is tomorrow tuvo lugar en 1956 en la Whitechapel Art Gallery, de Londres, en un barrio urbano marginal que desde entonces se ha convertido en un templo para la captación de las novedades artísticas.

Como suele ocurrir con el arte y los artistas de nuestra época, cuyo acelerado consumo hace que, al margen de su calidad, tengan una duración extraordinariamente limitada, Richard Hamilton después de la década efervescente del pop art de los sixties entró en un crepúsculo de invisibilidad, algo parecido al de las reliquias de los santos en las profundas capillas de cualquier iglesia; es decir: nadie que se preciara de conocer el arte de nuestra época dejaba de mirar al infinito con profundo respeto cuando se pronunciaba su nombre, pero con un aire ya un poco arqueológico. Sin embargo, no solo el talento, sino la extraordinaria vitalidad de este artista británico, al que era difícil jubilar, como le suele ocurrir a todos los grandes, hizo que Richard Hamilton se resituara constantemente en la batalla hasta, como quien dice, morir con las botas puestas. Un ejemplo muy a mano lo tenemos en el Museo del Prado, donde hace poco hizo una exposición en la que, en cierta manera, atravesó lo esencial del arte español enlazando Velázquez, Goya y Picasso con una reflexión sobre lo que había sido el desarrollo del arte moderno.

Fuente: El Pais-España

Thomas Ruff y Chema Madoz, Premios PHotoEspaña 2011

El Premio PHotoEspaña 2011 ha recaído en manos del fotógrafo alemán Thomas Ruff (Zell am Harmersbach, 1958) en "reconocimiento a una personalidad artística precisa y coherente que le ha valido reconocimiento mundial". Muy ligado en sus inicios a la Escuela de Düsseldorf y a sus maestros Bernd y Hilla Becher, Ruff ha trascendido a sus coetáneos desarrollando su obra en ámbitos temáticos diversos, utilizando el color como materia expresiva, adelantándose al retoque digital y destacando por su constante experimentación en torno a las propiedades de la fotografía.

El premio, un trofeo diseñado por Eduardo Arroyo, ha sido concedido con anterioridad a los fotógrafos Graciela Iturbide, Malick Sidibé, Martin Parr, Robert Frank, Hiroshi Sugimoto, William Klein, William Eggleston, Helena Almeida, Nan Goldin, Duane Michals, Chema Madoz, Luis González Palma y Josef Koudelka en reconocimiento a su importante papel en el medio fotográfico internacional.

Por su parte, el Premio Bartolomé Ros a la mejor trayectoria española en fotografía ha sido concedido a Chema Madoz. El jurado, formado por Rosa Ros, responsable del legado de Bartolomé Ros; Chema Conesa, fotógrafo y editor gráfico; Elena Hernando, directora de la Fundación Lázaro Galdiano; Rocío de la Villa, crítica de arte; y Alberto Anaut, presidente de PHotoEspaña, ha querido reconocer con este premio la "originalidad de su obra y la solidez en su trayectoria, con un lenguaje conceptual y enormemente sugerente".

El galardón, otorgado por el legado de Bartolomé Ros, reconoce la aportación de una personalidad española al desarrollo de la fotografía en cualquiera de sus campos, ya sea como comisario, autor, historiador, crítico o a través de cualquier otro vínculo directo con el medio. En otras ediciones han resultado premiados Chema Conesa, Isabel Muñoz, Ricard Terré, Javier Vallhonrat, Marta Gili, Alejandro Castellote, la librería Kowasa, Joan Fontcuberta, Alberto García-Alix, Juan Manuel Castro Prieto, Ramón Masats, Cristina García Rodero y Publio López Mondéjar.

El ganador del Premio Descubrimientos PHE al mejor porfolio ha sido el fotógrafo Fernando Brito (México, 1975) por el trabajo Tus pasos se perdieron con el paisaje. La serie premiada muestra fotografías de cadáveres y escenas de crímenes fruto de la violencia con la que se convive en multitud de zonas de México. Lo realmente perturbador de sus imágenes es su tratamiento limpio, sereno y distante. Su trabajo reflexiona y denuncia como la muerte se convierte en un elemento cotidiano que se integra en el paisaje mexicano. La serie intenta crear conciencia y reflexión sobre la situación de violencia de su pais.

El jurado del galardón ha estado integrado por Thomas Seelig, comisario de fotografía del Winterthur Fotomuseum de Zúrich; Edward Robinson, comisario de fotografía del Los Angeles Museum of Art, LACMA, y Enrico Bossan, director de Colors Magazine y comisario del New York Festival 2011.

El Premio PHotoEspaña OjodePez de Valores Humanos –que se concede a trabajos fotográficos que destaquen valores como la solidaridad, el esfuerzo, la ética o la justicia, está dotado con 3.000 euros y ofrece la posibilidad de participar en una exposición y la publicación de la serie ganadora en la revista OjodePez– ha recaído en el fotógrafo Jan Cága (República Checa, 1976) por su serie Swimmers with a disability (Nadadores con discapacidad), un trabajo que retrata a un grupo de discapacitados físicos en una piscina, un lugar excelente para sentirse libres, y recuerda que las aparentes limitaciones de los discapacitados no tienen por qué ser un impedimento para llevar una existencia plena.

El jurado del premio ha estado formado por Frédérique Babin, redactora y editora de fotografía de Le Monde Magazine; Caroline Hunter, editora gráfica de The Guardian Weekend Magazine; Nissan Pérez, comisario de fotografía del Museo de Israel, y Arianna Rinaldo, directora de la revista OjodePez.

La galería Helga de Alvear ha ganado el Premio Festival Off por la exposición de Isaac Julien Ten Thousand Waves. El premio es concedido a una de las galerías del Festival Off tras valorar el planteamiento de su exposición, el valor artístico de los autores y las obras expuestas, así como el esfuerzo de la galería por presentar un proyecto específico para PHotoEspaña 2011. El jurado del premio ha estado compuesto por José María Díaz-Maroto, comisario y conservador de la Colección Alcobendas de Madrid, Jaime Sordo González, coleccionista, y Pascal Beausse, comisario de fotografía del Centre National des Arts Plastiques de París.

La nueva videoinstalación de Isaac Julien (Reino Unido, 1960) se rodó en China y contó con la participación de Maggie Cheung y Yang Fudong. La obra establece una relación poética entre el pasado y el presente, entre la leyenda y la realidad, entre la China milenaria y las ciudades en crecimiento constante de la actualidad, para aproximarse a los movimientos migratorios en el mundo y meditar sobre el mundo en permanente cambio en el que vivimos.

El Premio al mejor libro de fotografía del año convoca a editores independientes y editoriales a presentar sus libros de fotografía publicados en el último año. Un jurado compuesto por Pep Carrió, diseñador gráfico; Frits Gierstberg, director de exposiciones del Netherlands Museum de Rotterdam; y Kasahara Michiko, comisaria del Tokyo Metropolitan Museum of Photography, han reconocido como Mejor libro de fotografía del año en categoría nacional a: Europa, de Bernard Plossu, coeditado por Fundación Santander 2016 en colaboración con La Fábrica Editorial.

Europa revisa el inmenso achivo de imágenes captadas por Bernard Plossu (1945, Vietnam) durante sus viajes por todo el Viejo Continente en sus últimas cuatro décadas. Una mirada lúcida e inesperada a los rincones inadvertidos de la realidad europea a través de 248 fotografías en blanco y negro. El libro recoge imágenes poéticas en las que el autor, un viajero incansable, nos hacen experimentar sus propias vivencias, constituyendo retales de vida que comprime el espacio, el tiempo y la memoria en forma de instantáneas. Son imágenes del día a día tomadas desde la fugacidad del autobús o el tren, deambulando por las calles de países como España, Francia, Portugal, Italia, Alemania o Bélgica, que reflejan la forma de entender el mundo de este fotógrafo Premio Nacional de Fotografía en Francia y al que el Pompidou de París y el IVAM de Valencia han dedicado grandes retrospectivas.

El jurado ha concedido además una mención especial a Ukraina Pasport, de Federico Clavarino, coedición publicada por Fiestas Ediciones y la Kursala de la Universidad de Cádiz.

El Premio al Mejor libro de fotografía del año en categoría internacional ha sido otorgado a Destroy this Memory, de Richard Misrach, editado por la Aperture Foundation (EE.UU.).

Destroy this Memory, de Richard Misrach, es un efectivo recuerdo del impacto físico y psicológico que causó el huracán Katrina. En lugar de limitarse a inspeccionar los daños materiales causados, Misrach –que ha fotografiado esta región desde la década de 1970, sobre todo por su proyecto en curso El Callejón del Cáncer– se vio atraído por el grafiti inspirado por el huracán: mensajes en las paredes realizados con espray, crayones, tizas o cualquier material que llegaba a sus manos. A veces amenazantes, desesperadas, y con tintes de humor negro, las frases capturadas por Misrach –el único texto que aparece en el libro– ofrecen perspectivas humanas únicas y reveladoras sobre la devastación y las secuelas que dejó tras de sí este desastre. El libro recoge imágenes inéditas tomadas entre octubre y diciembre de 2005 con una cámara compacta, cuyas ganancias en calidad de derechos de autor han sido donadas por el artista a la Fundación Make It Right, que en la actualidad está reconstruyendo el Lower Ninth Ward de Nueva Orleans.

El Premio a la Editorial destacada del año ha sido otorgado a Nobody (Reino Unido) en reconocimiento por las publicaciones B Side, de Stephen Gill y Coming Up For Air, de Stephen Gill.

Fuente: ArteHoy

Fallece Lucian Freud, uno de los gigantes artísticos más importantes de la posguerra

Lucian Freud, fallecido el miércoles, 20 de julio de 2011, en Londres a los 88 años y hasta entonces el pintor británico vivo más cotizado, pasará a la historia como uno de los grandes genios de la pintura realista y figurativa.

Sus obras, que tanto pueden ser íntimas y afectuosas como en algunos casos perturbadoras, aunque siempre francas, se caracterizan por la penetración psicológica que hace el artista de sus modelos, a los que disecciona con los trazos de su pincel.

Los cuadros de Freud muestran a sus personajes, en general retratados bajo una luz potente, con todo lujo de detalles y un realismo extremo, revelando un riguroso examen de la relación entre el artista y sus modelos.

“Sus primeros cuadros redefinieron el arte británico y sus últimos trabajos pueden compararse con el de los grandes pintores figurativos de cualquier época”, manifestó hoy el director de las galerías británicas Tate, Nicholas Serota.

Con su muerte, el mundo pierde a “uno de los gigantes artísticos más importantes de la posguerra”, según le ha definido Francis Outred, experto en arte contemporáneo de la casa de subastas Christie’s.

Fue en Christie’s de Nueva York donde en 2008 se vendió la obra que convirtió a Freud en el pintor vivo más cotizado del mundo.

Su lienzo “Benefits Supervisor Sleeping” (1995), que mostraba a una mujer obesa recostada en un sofá, se subastó por 33,6 millones de dólares.

El óleo, su pintura más importante en salir al mercado, tomaba como modelo a Sue Tilley, una supervisora de subsidios sociales de Londres que posó para el artista en diferentes ocasiones.

Freud decía que su pintura era autobiográfica, que pintaba “a la gente que le interesaba y que le importaba”, en las habitaciones en las que vivía y que conocía bien.

Era un admirador de Francis Bacon, de quien pintó un conocido retrato, y entre sus modelos se contaban tanto gente corriente como famosos, incluidas la reina Isabel II, a la que capturó muy poco favorecida, y la modelo Kate Moss, cuyo retrato de cuerpo entero -tampoco especialmente favorecedor- se subastó en 2005 por unos 4 millones de libras (4,5 millones de euros al cambio de hoy).

Para el artista, que también retrató en numerosas ocasiones a su madre y a sus hijas Bella y Esther, era importante desarrollar una relación muy estrecha con sus modelos.

Nieto del psicoanalista Sigmund Freud, Lucian nació en Berlín en 1922 y emigró con su familia al Reino Unido en 1933, cuando tenía 10 años, escapando del incipiente nazismo. Se convirtió en ciudadano británico en 1939.

Desde muy joven mostró talento para el arte, y, tras una breve incursión en la Marina mercante en 1942, en 1944, a los 21 años, ya tuvo su primera exposición en solitario.

Estudió en la londinense Escuela central de arte, en la Escuela de Pintura y Dibujo de East Anglia y posteriormente en el Goldsmith College.

Después de la segunda Guerra Mundial se fue a Francia y a Grecia, para volver al Reino Unido en 1948 para enseñar durante 10 años en la Escuela de Arte Slade.

Estuvo casado dos veces: primero con Kitty Garman, la hija del escultor Jacob Epstein -la modelo de uno de sus cuadros más conocidos, “Mujer con perro blanco”-, y después con Caroline Blackwood.

Aunque reservado, el artista tenía fama de mujeriego, y tiene trece hijos de diferentes mujeres.

Freud formó parte del grupo de artistas figurativos conocido como “la Escuela de Londres”, del que él mismo y Francis Bacon era las figuras principales, aunque había otros grandes artistas como Frank Auerbach, Michael Andrews, Leon Kossoff o Robert Colquhoun.

Aunque como pintor se inició en el surrealismo, fue evolucionando hacia una pintura figurativa y realista, siendo algunas de sus obras más destacadas la mencionada “Mujer con perro blanco”, “Mujer desnuda dormida” y el autorretrato “Reflejo”.

Raras veces aceptaba encargos, y, aunque sus obras se exponen en galerías de todo el mundo, la mayoría están en colecciones privadas, que, según Serota, tiene el lugar asegurado en el panteón de grandes artistas del siglo XX.

Fuente: Agencia EFE

Muere Cy Twombly, el último genio del expresionismo abstracto

El artista estadounidense Cy Twombly, de 83 años, ha fallecido hoy, 05/07/11, en un hospital de Roma, ha anunciado el director de la galería de arte contemporáneo de Yvon Lambert, en Aviñón, Eric Mézil. Nacido en Lexington (Virginia) en 1928, era uno de los grandes pintores abstractos del siglo XX, y también escultor y fotógrafo. Vivía en Italia desde hacía medio siglo y padecía desde hace años un cáncer. El anuncio lo ha hecho Mézil porque desde mediados de junio estaba abierta una exposición de sus fotografías en la colección Lambert. "Era como una roca", ha dicho Mézil, el primer tratante de Twombly en Europa.

Apenas tres años después de su extraordinaria retrospectiva en el Museo Guggenheim de Bilbao -una de las más bellas que exhibió en su vida- y de la exposición titulada Lepanto, en el Museo del Prado, moría en Roma Cy Twombly (Lexington, Virginia, 1928), sin duda uno de los más relevantes y singulares artistas estadounidenses de la segunda mitad del siglo XX, que fue la etapa dorada del arte americano. No obstante, este reconocimiento, hoy universalmente indiscutido, tardó en fraguarse en su propio país, que no le perdonó que se instalase en Italia a partir de la década de los años cincuenta, justo en el momento en el que se imponía internacionalmente el expresionismo abstracto americano, primer peldaño de un dominio artístico que se ha mantenido casi hasta ahora mismo. Cuando se analiza la obra de Cy Twombly desde una perspectiva histórica, no hay demasiada dificultad para hallar su genealogía entre los grandes maestros del pasado.

Es obvio que para él, por ejemplo, fue muy importante el arte veneciano, donde florecieron dos pintores, Tiziano y Tintoretto, cruciales para él, pero también se puede reconocer su empatía con el exuberante Rubens. No obstante, quizá el maestro antiguo que mejor recoge las dos caras de su personalidad, la mesurada y la desmesurada, la clásica y la romántica, fue Nicolás Poussin, no solo uno de los mejores pintores franceses de todos los tiempos, sino la referencia esencial para la Escuela Francesa. Estas u otras raíces históricas del arte de Twombly no pueden ser tomadas, sin embargo, como una tapadera para ignorar su capacidad de invención. A diferencia de muchos de sus colegas contemporáneos, a quienes a veces cuesta trabajo distinguir de las tendencias que los impulsaron a la fama, Twombly desarrolló una obra extraordinariamente original y personal, y, en ese sentido, nunca mejor dicho, única. No es, por tanto, extraño que tanto los museos de arte antiguo como los de arte contemporáneo se hayan disputado la obra de Twombly. Antes he citado su presencia en el Museo del Prado, pero también exhibió en el Museo del Louvre, donde le fue encargado y realizó recientemente la decoración del techo de una de sus salas.

Fuente: El País, España.

Fundación D.O.P. – Un nuevo Centro Cultural en Caracas

Desde el pasado 26/06/2011, el público venezolano ya tiene la oportunidad de disfrutar de los nuevos espacios que ofrece la Fundación D.O.P., fundación de carácter internacional sin fines de lucro que abrió sus nuevos espacios en la ciudad de Caracas y que busca convertirse en un órgano de aporte a la difusión de la cultura, valiéndose del arte como lenguaje universal, más allá de las barreras idiomáticas que limitan la comunicación en nuestro planeta, buscando la integración de la sociedad y brindando una alternativa de recreación y enriquecimiento personal para aquellos que anhelan un espacio de refugio, un oasis cultural para pausar por un momento los ajetreados tiempos en que vivimos actualmente.

La entusiasta acogida que dio público amante del arte a los recientemente estrenados espacios de la Fundación D.O.P. presagia el éxito que acompañará estas salas. El intercambio entre espectadores y las obras de arte seleccionadas bajo rigurosos criterios de calidad, profesionalismo y enmarcados en la contemporaneidad, garantizan el goce y disfrute de todos, junto con el descubrimiento y re-descubrimiento de talentos de gran renombre de otras latitudes, a veces desconocidos por el gran público en nuestro país.

La permanente dedicación filantrópica e investigación internacional por parte de la Fundación D.O.P. en torno al movimiento artístico mundial contemporáneo les permite ofrecer en el tiempo un fluir constante de obras por sus espacios y, de igual forma, la proyección internacional de creadores locales hacia otros países donde tiene sede.

La temporada de de julio a septiembre cuenta con dos invitados extranjeros, conocidos y galardonados internacionalmente:

En los renovados espacios de la Sala 1 se puede disfrutar de “Nobuyoshi Araki – Objetos de deseo”, exhibición conformada por un conjunto de 15 obras autoría fotógrafo japonés, ganador del prestigioso premio Taiyo, considerado en la actualidad como uno de los 5 artistas contemporáneos más importantes y polémicos de la cultura nipona.

Sala 1 (Vista Parcial) Nobuyoshi Araki. Colección D.O.P. - París.

En las Salas 2 y 3 de la institución: “María Fernanda Cardoso – Apariencia y contenido”, compuesta por grandes murales creación de la artista australiana, quien retoma los ritos funerarios de su natal Colombia en su obra impregnada de alegorías neo barrocas plenas de una carga simbólica que teje mezclando variados elementos hilvanando su singular discurso plástico.

Sala 2 (Vista Parcial). María Fernanda Cardoso - "Apariencia y Contenido"

Estos espacios estarán abiertos a la reflexión y el debate, próximamente anunciarán las actividades desarrolladas a partir de estas exhibiciones y de futuras muestras entre las que se encontrará la visita del artista español Chema Madoz y el norteamericano Robert Longo. Su portal en línea: www.fundacióndop.org les mantendrá informado de los próximos eventos con sólo suscribirse a él de manera gratuita.

Sala 3 (Vista Parcial) Jardin Vertical, 2000. Colección Mercantil -Caracas

La Fundación D.O.P. está localizada en la avenida Principal de las Mercedes, Torre D.O.P.-Multicentro Las Mercedes (entre calles Monterrey y Mucuchíes). Ambas muestras pueden ser visitadas hasta el domingo 04 de de septiembre 2011 en nuestros horarios: de martes a sábado de 2:00 p.m. a 7:00 p.m. y los domingos de 11:00 a.m. a 3:00 de la tarde. Todos somos bienvenidos, la entrada es sin costo, es una Fundación sin fines de lucro y su mayor anhelo agrandar la riqueza cultural de nuestro público sirviéndose para ello de estos nuevos espacios dedicados para todos los amantes del arte.

Sala 2 (Vista Parcial). María Fernanda Cardoso - "Apariencia y Contenido"

XX FIA Caracas 2011

La Feria Iberoamericana de Arte (FIA) 2011 abrió este jueves sus puertas a un multitudinario público caraqueño que pasó por las 33 galerías que exhiben más de 400 obras y propuestas artísticas de Venezuela y otros países de Iberoamérica.

“Son muestras de más de 200 artistas de Venezuela, Colombia, Argentina, México, Panamá y Estados Unidos, entre otros, que están aquí para celebrar los 20 años de este evento”, dijo a Efe la gerente de Comunicaciones de la FIA-2011, Marisela Montes.

La feria estará abierta hasta el próximo 20 de junio en un hotel de Caracas y también tomará otros espacios culturales de la ciudad, así como calles y avenidas de los municipios caraqueños de Sucre, Chacao y Baruta que servirán de galerías al aire libre.

“La FIA es el disfrute y la reconciliación de ese país que se nos ha escapado y que nos gusta, todo el mundo celebra que se haga esta feria porque es una confluencia de amores y afectos”, comentó Montes.

La representante de la exhibición indicó que una de las propuestas artísticas que ha recibido más comentarios positivos es la obra que donó el especialista en arte cinético venezolano Carlos Cruz-Diez. “Son 49 metros cuadrados de cromosaturación en la que el público puede tener distintas percepciones del color, es maravillosa”, dijo.

Microprocesadores de computadoras también se convirtieron en arte tras pasar por las manos del venezolano Pedro Morales, mientras que las imágenes de una caótica Caracas tomadas por once fotógrafos muestran diferentes formas de ver la capital venezolana.

En el norte de la ciudad el artista Eduardo Molina “expondrá” tatuajes proyectados en paredes acompañado por la música de reconocidos pinchadiscos de Venezuela.

El curador de las exhibiciones que se aprecian en las calles del este de la ciudad, Gerardo Zavarce, dijo a Efe que “Espacios en tránsito” es una propuesta que consiste en “intervenciones del espacio público” por parte de artistas que han hecho “una lectura del lugar”.

“La artista Mairyceth Vargas, tiene una intervención pictórica que está ubicada en la parada de autobuses que tiene que ver con la elaboración de un reloj solar en el suelo que permite conocer la hora por las diferentes formas que se producen durante el día”, explica Zavarce.

El curador también resaltó el trabajo del también venezolano Emilio Narciso quien realizó una instalación cerca de una de las vías rápidas más transitadas de la ciudad llamada “Casa azulada” que expresa la idea de habitar el espacio que usualmente se ve como calle inhóspita. “Narciso hizo un reforzamiento a su trabajo que le permite al que pasa en un vehículo tener una lectura de la obra en la noche y otra en el día”, apuntó.

La calle también ha sido “intervenida” por fotografías y una pantalla audiovisual que servía para transmitir publicidad ahora transmite una animación artística de 10 segundos.

“Hoy tuvimos la sorpresa de que el artista urbano que se hace llamar simplemente Se, tomó varias paredes cercanas a la sede principal de la exhibición y les imprimió siete pinturas de Van Gogh”, comentó el curador quien le dio la bienvenida a la iniciativa de este creador.

Fuente: Agencia EFE

XX FIA Caracas 2011

Ayer complete unas actividades temprano en Caracas, ya en la tarde me dispuse a ir a la FIA en su primer día de apertura. Al entrar pensé que tenía Deja vu, porque pensé que ya me había ocurrido, que había visto los mismos cuadros, la misma gente y los mismos estand ubicados donde mismo, con los mismos artistas de siempre. Hasta cuadros exhibidos hace dos años montados otra vez. Lo novedoso fue los estand del gobierno de Miranda así como las alcaldías de Baruta y Sucre. Lo único nuevo, salvo algunas honrosas excepciones así como contemplar fotos del colectivo EAS+F, una Marilyn de Andy Warhol, los boteros, un Manolo Valdez y un Guayasamin; la energía electrizante que ofrecen un par de galeristas de la hermana republica de Colombia al publico asistente y a los posibles compradores. De resto el aburrimiento es torturador.
Me pregunto que hacen los curadores de arte a parte de exponer su criterio en los salones de arte. El director de esta orquesta que es la FIA cuál será su idea del asunto, una FIA con un concepto grafico enclavado en la obra del Maestro Carlos Cruz Diez, sin darle chance a retratarse en la imagen de otros artistas, digo yo preferiblemente emergentes. Bs. 40 la entrada y Bs. 150 el catalogo. Aquí las imágenes del recorrido visual que no deja de ser una cita obligada a los amantes del arte.

Tomado de Chivacoa.com