Thomas Ruff y Chema Madoz, Premios PHotoEspaña 2011

El Premio PHotoEspaña 2011 ha recaído en manos del fotógrafo alemán Thomas Ruff (Zell am Harmersbach, 1958) en "reconocimiento a una personalidad artística precisa y coherente que le ha valido reconocimiento mundial". Muy ligado en sus inicios a la Escuela de Düsseldorf y a sus maestros Bernd y Hilla Becher, Ruff ha trascendido a sus coetáneos desarrollando su obra en ámbitos temáticos diversos, utilizando el color como materia expresiva, adelantándose al retoque digital y destacando por su constante experimentación en torno a las propiedades de la fotografía.

El premio, un trofeo diseñado por Eduardo Arroyo, ha sido concedido con anterioridad a los fotógrafos Graciela Iturbide, Malick Sidibé, Martin Parr, Robert Frank, Hiroshi Sugimoto, William Klein, William Eggleston, Helena Almeida, Nan Goldin, Duane Michals, Chema Madoz, Luis González Palma y Josef Koudelka en reconocimiento a su importante papel en el medio fotográfico internacional.

Por su parte, el Premio Bartolomé Ros a la mejor trayectoria española en fotografía ha sido concedido a Chema Madoz. El jurado, formado por Rosa Ros, responsable del legado de Bartolomé Ros; Chema Conesa, fotógrafo y editor gráfico; Elena Hernando, directora de la Fundación Lázaro Galdiano; Rocío de la Villa, crítica de arte; y Alberto Anaut, presidente de PHotoEspaña, ha querido reconocer con este premio la "originalidad de su obra y la solidez en su trayectoria, con un lenguaje conceptual y enormemente sugerente".

El galardón, otorgado por el legado de Bartolomé Ros, reconoce la aportación de una personalidad española al desarrollo de la fotografía en cualquiera de sus campos, ya sea como comisario, autor, historiador, crítico o a través de cualquier otro vínculo directo con el medio. En otras ediciones han resultado premiados Chema Conesa, Isabel Muñoz, Ricard Terré, Javier Vallhonrat, Marta Gili, Alejandro Castellote, la librería Kowasa, Joan Fontcuberta, Alberto García-Alix, Juan Manuel Castro Prieto, Ramón Masats, Cristina García Rodero y Publio López Mondéjar.

El ganador del Premio Descubrimientos PHE al mejor porfolio ha sido el fotógrafo Fernando Brito (México, 1975) por el trabajo Tus pasos se perdieron con el paisaje. La serie premiada muestra fotografías de cadáveres y escenas de crímenes fruto de la violencia con la que se convive en multitud de zonas de México. Lo realmente perturbador de sus imágenes es su tratamiento limpio, sereno y distante. Su trabajo reflexiona y denuncia como la muerte se convierte en un elemento cotidiano que se integra en el paisaje mexicano. La serie intenta crear conciencia y reflexión sobre la situación de violencia de su pais.

El jurado del galardón ha estado integrado por Thomas Seelig, comisario de fotografía del Winterthur Fotomuseum de Zúrich; Edward Robinson, comisario de fotografía del Los Angeles Museum of Art, LACMA, y Enrico Bossan, director de Colors Magazine y comisario del New York Festival 2011.

El Premio PHotoEspaña OjodePez de Valores Humanos –que se concede a trabajos fotográficos que destaquen valores como la solidaridad, el esfuerzo, la ética o la justicia, está dotado con 3.000 euros y ofrece la posibilidad de participar en una exposición y la publicación de la serie ganadora en la revista OjodePez– ha recaído en el fotógrafo Jan Cága (República Checa, 1976) por su serie Swimmers with a disability (Nadadores con discapacidad), un trabajo que retrata a un grupo de discapacitados físicos en una piscina, un lugar excelente para sentirse libres, y recuerda que las aparentes limitaciones de los discapacitados no tienen por qué ser un impedimento para llevar una existencia plena.

El jurado del premio ha estado formado por Frédérique Babin, redactora y editora de fotografía de Le Monde Magazine; Caroline Hunter, editora gráfica de The Guardian Weekend Magazine; Nissan Pérez, comisario de fotografía del Museo de Israel, y Arianna Rinaldo, directora de la revista OjodePez.

La galería Helga de Alvear ha ganado el Premio Festival Off por la exposición de Isaac Julien Ten Thousand Waves. El premio es concedido a una de las galerías del Festival Off tras valorar el planteamiento de su exposición, el valor artístico de los autores y las obras expuestas, así como el esfuerzo de la galería por presentar un proyecto específico para PHotoEspaña 2011. El jurado del premio ha estado compuesto por José María Díaz-Maroto, comisario y conservador de la Colección Alcobendas de Madrid, Jaime Sordo González, coleccionista, y Pascal Beausse, comisario de fotografía del Centre National des Arts Plastiques de París.

La nueva videoinstalación de Isaac Julien (Reino Unido, 1960) se rodó en China y contó con la participación de Maggie Cheung y Yang Fudong. La obra establece una relación poética entre el pasado y el presente, entre la leyenda y la realidad, entre la China milenaria y las ciudades en crecimiento constante de la actualidad, para aproximarse a los movimientos migratorios en el mundo y meditar sobre el mundo en permanente cambio en el que vivimos.

El Premio al mejor libro de fotografía del año convoca a editores independientes y editoriales a presentar sus libros de fotografía publicados en el último año. Un jurado compuesto por Pep Carrió, diseñador gráfico; Frits Gierstberg, director de exposiciones del Netherlands Museum de Rotterdam; y Kasahara Michiko, comisaria del Tokyo Metropolitan Museum of Photography, han reconocido como Mejor libro de fotografía del año en categoría nacional a: Europa, de Bernard Plossu, coeditado por Fundación Santander 2016 en colaboración con La Fábrica Editorial.

Europa revisa el inmenso achivo de imágenes captadas por Bernard Plossu (1945, Vietnam) durante sus viajes por todo el Viejo Continente en sus últimas cuatro décadas. Una mirada lúcida e inesperada a los rincones inadvertidos de la realidad europea a través de 248 fotografías en blanco y negro. El libro recoge imágenes poéticas en las que el autor, un viajero incansable, nos hacen experimentar sus propias vivencias, constituyendo retales de vida que comprime el espacio, el tiempo y la memoria en forma de instantáneas. Son imágenes del día a día tomadas desde la fugacidad del autobús o el tren, deambulando por las calles de países como España, Francia, Portugal, Italia, Alemania o Bélgica, que reflejan la forma de entender el mundo de este fotógrafo Premio Nacional de Fotografía en Francia y al que el Pompidou de París y el IVAM de Valencia han dedicado grandes retrospectivas.

El jurado ha concedido además una mención especial a Ukraina Pasport, de Federico Clavarino, coedición publicada por Fiestas Ediciones y la Kursala de la Universidad de Cádiz.

El Premio al Mejor libro de fotografía del año en categoría internacional ha sido otorgado a Destroy this Memory, de Richard Misrach, editado por la Aperture Foundation (EE.UU.).

Destroy this Memory, de Richard Misrach, es un efectivo recuerdo del impacto físico y psicológico que causó el huracán Katrina. En lugar de limitarse a inspeccionar los daños materiales causados, Misrach –que ha fotografiado esta región desde la década de 1970, sobre todo por su proyecto en curso El Callejón del Cáncer– se vio atraído por el grafiti inspirado por el huracán: mensajes en las paredes realizados con espray, crayones, tizas o cualquier material que llegaba a sus manos. A veces amenazantes, desesperadas, y con tintes de humor negro, las frases capturadas por Misrach –el único texto que aparece en el libro– ofrecen perspectivas humanas únicas y reveladoras sobre la devastación y las secuelas que dejó tras de sí este desastre. El libro recoge imágenes inéditas tomadas entre octubre y diciembre de 2005 con una cámara compacta, cuyas ganancias en calidad de derechos de autor han sido donadas por el artista a la Fundación Make It Right, que en la actualidad está reconstruyendo el Lower Ninth Ward de Nueva Orleans.

El Premio a la Editorial destacada del año ha sido otorgado a Nobody (Reino Unido) en reconocimiento por las publicaciones B Side, de Stephen Gill y Coming Up For Air, de Stephen Gill.

Fuente: ArteHoy

Fallece Lucian Freud, uno de los gigantes artísticos más importantes de la posguerra

Lucian Freud, fallecido el miércoles, 20 de julio de 2011, en Londres a los 88 años y hasta entonces el pintor británico vivo más cotizado, pasará a la historia como uno de los grandes genios de la pintura realista y figurativa.

Sus obras, que tanto pueden ser íntimas y afectuosas como en algunos casos perturbadoras, aunque siempre francas, se caracterizan por la penetración psicológica que hace el artista de sus modelos, a los que disecciona con los trazos de su pincel.

Los cuadros de Freud muestran a sus personajes, en general retratados bajo una luz potente, con todo lujo de detalles y un realismo extremo, revelando un riguroso examen de la relación entre el artista y sus modelos.

“Sus primeros cuadros redefinieron el arte británico y sus últimos trabajos pueden compararse con el de los grandes pintores figurativos de cualquier época”, manifestó hoy el director de las galerías británicas Tate, Nicholas Serota.

Con su muerte, el mundo pierde a “uno de los gigantes artísticos más importantes de la posguerra”, según le ha definido Francis Outred, experto en arte contemporáneo de la casa de subastas Christie’s.

Fue en Christie’s de Nueva York donde en 2008 se vendió la obra que convirtió a Freud en el pintor vivo más cotizado del mundo.

Su lienzo “Benefits Supervisor Sleeping” (1995), que mostraba a una mujer obesa recostada en un sofá, se subastó por 33,6 millones de dólares.

El óleo, su pintura más importante en salir al mercado, tomaba como modelo a Sue Tilley, una supervisora de subsidios sociales de Londres que posó para el artista en diferentes ocasiones.

Freud decía que su pintura era autobiográfica, que pintaba “a la gente que le interesaba y que le importaba”, en las habitaciones en las que vivía y que conocía bien.

Era un admirador de Francis Bacon, de quien pintó un conocido retrato, y entre sus modelos se contaban tanto gente corriente como famosos, incluidas la reina Isabel II, a la que capturó muy poco favorecida, y la modelo Kate Moss, cuyo retrato de cuerpo entero -tampoco especialmente favorecedor- se subastó en 2005 por unos 4 millones de libras (4,5 millones de euros al cambio de hoy).

Para el artista, que también retrató en numerosas ocasiones a su madre y a sus hijas Bella y Esther, era importante desarrollar una relación muy estrecha con sus modelos.

Nieto del psicoanalista Sigmund Freud, Lucian nació en Berlín en 1922 y emigró con su familia al Reino Unido en 1933, cuando tenía 10 años, escapando del incipiente nazismo. Se convirtió en ciudadano británico en 1939.

Desde muy joven mostró talento para el arte, y, tras una breve incursión en la Marina mercante en 1942, en 1944, a los 21 años, ya tuvo su primera exposición en solitario.

Estudió en la londinense Escuela central de arte, en la Escuela de Pintura y Dibujo de East Anglia y posteriormente en el Goldsmith College.

Después de la segunda Guerra Mundial se fue a Francia y a Grecia, para volver al Reino Unido en 1948 para enseñar durante 10 años en la Escuela de Arte Slade.

Estuvo casado dos veces: primero con Kitty Garman, la hija del escultor Jacob Epstein -la modelo de uno de sus cuadros más conocidos, “Mujer con perro blanco”-, y después con Caroline Blackwood.

Aunque reservado, el artista tenía fama de mujeriego, y tiene trece hijos de diferentes mujeres.

Freud formó parte del grupo de artistas figurativos conocido como “la Escuela de Londres”, del que él mismo y Francis Bacon era las figuras principales, aunque había otros grandes artistas como Frank Auerbach, Michael Andrews, Leon Kossoff o Robert Colquhoun.

Aunque como pintor se inició en el surrealismo, fue evolucionando hacia una pintura figurativa y realista, siendo algunas de sus obras más destacadas la mencionada “Mujer con perro blanco”, “Mujer desnuda dormida” y el autorretrato “Reflejo”.

Raras veces aceptaba encargos, y, aunque sus obras se exponen en galerías de todo el mundo, la mayoría están en colecciones privadas, que, según Serota, tiene el lugar asegurado en el panteón de grandes artistas del siglo XX.

Fuente: Agencia EFE

Muere Cy Twombly, el último genio del expresionismo abstracto

El artista estadounidense Cy Twombly, de 83 años, ha fallecido hoy, 05/07/11, en un hospital de Roma, ha anunciado el director de la galería de arte contemporáneo de Yvon Lambert, en Aviñón, Eric Mézil. Nacido en Lexington (Virginia) en 1928, era uno de los grandes pintores abstractos del siglo XX, y también escultor y fotógrafo. Vivía en Italia desde hacía medio siglo y padecía desde hace años un cáncer. El anuncio lo ha hecho Mézil porque desde mediados de junio estaba abierta una exposición de sus fotografías en la colección Lambert. "Era como una roca", ha dicho Mézil, el primer tratante de Twombly en Europa.

Apenas tres años después de su extraordinaria retrospectiva en el Museo Guggenheim de Bilbao -una de las más bellas que exhibió en su vida- y de la exposición titulada Lepanto, en el Museo del Prado, moría en Roma Cy Twombly (Lexington, Virginia, 1928), sin duda uno de los más relevantes y singulares artistas estadounidenses de la segunda mitad del siglo XX, que fue la etapa dorada del arte americano. No obstante, este reconocimiento, hoy universalmente indiscutido, tardó en fraguarse en su propio país, que no le perdonó que se instalase en Italia a partir de la década de los años cincuenta, justo en el momento en el que se imponía internacionalmente el expresionismo abstracto americano, primer peldaño de un dominio artístico que se ha mantenido casi hasta ahora mismo. Cuando se analiza la obra de Cy Twombly desde una perspectiva histórica, no hay demasiada dificultad para hallar su genealogía entre los grandes maestros del pasado.

Es obvio que para él, por ejemplo, fue muy importante el arte veneciano, donde florecieron dos pintores, Tiziano y Tintoretto, cruciales para él, pero también se puede reconocer su empatía con el exuberante Rubens. No obstante, quizá el maestro antiguo que mejor recoge las dos caras de su personalidad, la mesurada y la desmesurada, la clásica y la romántica, fue Nicolás Poussin, no solo uno de los mejores pintores franceses de todos los tiempos, sino la referencia esencial para la Escuela Francesa. Estas u otras raíces históricas del arte de Twombly no pueden ser tomadas, sin embargo, como una tapadera para ignorar su capacidad de invención. A diferencia de muchos de sus colegas contemporáneos, a quienes a veces cuesta trabajo distinguir de las tendencias que los impulsaron a la fama, Twombly desarrolló una obra extraordinariamente original y personal, y, en ese sentido, nunca mejor dicho, única. No es, por tanto, extraño que tanto los museos de arte antiguo como los de arte contemporáneo se hayan disputado la obra de Twombly. Antes he citado su presencia en el Museo del Prado, pero también exhibió en el Museo del Louvre, donde le fue encargado y realizó recientemente la decoración del techo de una de sus salas.

Fuente: El País, España.

Fundación D.O.P. – Un nuevo Centro Cultural en Caracas

Desde el pasado 26/06/2011, el público venezolano ya tiene la oportunidad de disfrutar de los nuevos espacios que ofrece la Fundación D.O.P., fundación de carácter internacional sin fines de lucro que abrió sus nuevos espacios en la ciudad de Caracas y que busca convertirse en un órgano de aporte a la difusión de la cultura, valiéndose del arte como lenguaje universal, más allá de las barreras idiomáticas que limitan la comunicación en nuestro planeta, buscando la integración de la sociedad y brindando una alternativa de recreación y enriquecimiento personal para aquellos que anhelan un espacio de refugio, un oasis cultural para pausar por un momento los ajetreados tiempos en que vivimos actualmente.

La entusiasta acogida que dio público amante del arte a los recientemente estrenados espacios de la Fundación D.O.P. presagia el éxito que acompañará estas salas. El intercambio entre espectadores y las obras de arte seleccionadas bajo rigurosos criterios de calidad, profesionalismo y enmarcados en la contemporaneidad, garantizan el goce y disfrute de todos, junto con el descubrimiento y re-descubrimiento de talentos de gran renombre de otras latitudes, a veces desconocidos por el gran público en nuestro país.

La permanente dedicación filantrópica e investigación internacional por parte de la Fundación D.O.P. en torno al movimiento artístico mundial contemporáneo les permite ofrecer en el tiempo un fluir constante de obras por sus espacios y, de igual forma, la proyección internacional de creadores locales hacia otros países donde tiene sede.

La temporada de de julio a septiembre cuenta con dos invitados extranjeros, conocidos y galardonados internacionalmente:

En los renovados espacios de la Sala 1 se puede disfrutar de “Nobuyoshi Araki – Objetos de deseo”, exhibición conformada por un conjunto de 15 obras autoría fotógrafo japonés, ganador del prestigioso premio Taiyo, considerado en la actualidad como uno de los 5 artistas contemporáneos más importantes y polémicos de la cultura nipona.

Sala 1 (Vista Parcial) Nobuyoshi Araki. Colección D.O.P. - París.

En las Salas 2 y 3 de la institución: “María Fernanda Cardoso – Apariencia y contenido”, compuesta por grandes murales creación de la artista australiana, quien retoma los ritos funerarios de su natal Colombia en su obra impregnada de alegorías neo barrocas plenas de una carga simbólica que teje mezclando variados elementos hilvanando su singular discurso plástico.

Sala 2 (Vista Parcial). María Fernanda Cardoso - "Apariencia y Contenido"

Estos espacios estarán abiertos a la reflexión y el debate, próximamente anunciarán las actividades desarrolladas a partir de estas exhibiciones y de futuras muestras entre las que se encontrará la visita del artista español Chema Madoz y el norteamericano Robert Longo. Su portal en línea: www.fundacióndop.org les mantendrá informado de los próximos eventos con sólo suscribirse a él de manera gratuita.

Sala 3 (Vista Parcial) Jardin Vertical, 2000. Colección Mercantil -Caracas

La Fundación D.O.P. está localizada en la avenida Principal de las Mercedes, Torre D.O.P.-Multicentro Las Mercedes (entre calles Monterrey y Mucuchíes). Ambas muestras pueden ser visitadas hasta el domingo 04 de de septiembre 2011 en nuestros horarios: de martes a sábado de 2:00 p.m. a 7:00 p.m. y los domingos de 11:00 a.m. a 3:00 de la tarde. Todos somos bienvenidos, la entrada es sin costo, es una Fundación sin fines de lucro y su mayor anhelo agrandar la riqueza cultural de nuestro público sirviéndose para ello de estos nuevos espacios dedicados para todos los amantes del arte.

Sala 2 (Vista Parcial). María Fernanda Cardoso - "Apariencia y Contenido"

XX FIA Caracas 2011

La Feria Iberoamericana de Arte (FIA) 2011 abrió este jueves sus puertas a un multitudinario público caraqueño que pasó por las 33 galerías que exhiben más de 400 obras y propuestas artísticas de Venezuela y otros países de Iberoamérica.

“Son muestras de más de 200 artistas de Venezuela, Colombia, Argentina, México, Panamá y Estados Unidos, entre otros, que están aquí para celebrar los 20 años de este evento”, dijo a Efe la gerente de Comunicaciones de la FIA-2011, Marisela Montes.

La feria estará abierta hasta el próximo 20 de junio en un hotel de Caracas y también tomará otros espacios culturales de la ciudad, así como calles y avenidas de los municipios caraqueños de Sucre, Chacao y Baruta que servirán de galerías al aire libre.

“La FIA es el disfrute y la reconciliación de ese país que se nos ha escapado y que nos gusta, todo el mundo celebra que se haga esta feria porque es una confluencia de amores y afectos”, comentó Montes.

La representante de la exhibición indicó que una de las propuestas artísticas que ha recibido más comentarios positivos es la obra que donó el especialista en arte cinético venezolano Carlos Cruz-Diez. “Son 49 metros cuadrados de cromosaturación en la que el público puede tener distintas percepciones del color, es maravillosa”, dijo.

Microprocesadores de computadoras también se convirtieron en arte tras pasar por las manos del venezolano Pedro Morales, mientras que las imágenes de una caótica Caracas tomadas por once fotógrafos muestran diferentes formas de ver la capital venezolana.

En el norte de la ciudad el artista Eduardo Molina “expondrá” tatuajes proyectados en paredes acompañado por la música de reconocidos pinchadiscos de Venezuela.

El curador de las exhibiciones que se aprecian en las calles del este de la ciudad, Gerardo Zavarce, dijo a Efe que “Espacios en tránsito” es una propuesta que consiste en “intervenciones del espacio público” por parte de artistas que han hecho “una lectura del lugar”.

“La artista Mairyceth Vargas, tiene una intervención pictórica que está ubicada en la parada de autobuses que tiene que ver con la elaboración de un reloj solar en el suelo que permite conocer la hora por las diferentes formas que se producen durante el día”, explica Zavarce.

El curador también resaltó el trabajo del también venezolano Emilio Narciso quien realizó una instalación cerca de una de las vías rápidas más transitadas de la ciudad llamada “Casa azulada” que expresa la idea de habitar el espacio que usualmente se ve como calle inhóspita. “Narciso hizo un reforzamiento a su trabajo que le permite al que pasa en un vehículo tener una lectura de la obra en la noche y otra en el día”, apuntó.

La calle también ha sido “intervenida” por fotografías y una pantalla audiovisual que servía para transmitir publicidad ahora transmite una animación artística de 10 segundos.

“Hoy tuvimos la sorpresa de que el artista urbano que se hace llamar simplemente Se, tomó varias paredes cercanas a la sede principal de la exhibición y les imprimió siete pinturas de Van Gogh”, comentó el curador quien le dio la bienvenida a la iniciativa de este creador.

Fuente: Agencia EFE

XX FIA Caracas 2011

Ayer complete unas actividades temprano en Caracas, ya en la tarde me dispuse a ir a la FIA en su primer día de apertura. Al entrar pensé que tenía Deja vu, porque pensé que ya me había ocurrido, que había visto los mismos cuadros, la misma gente y los mismos estand ubicados donde mismo, con los mismos artistas de siempre. Hasta cuadros exhibidos hace dos años montados otra vez. Lo novedoso fue los estand del gobierno de Miranda así como las alcaldías de Baruta y Sucre. Lo único nuevo, salvo algunas honrosas excepciones así como contemplar fotos del colectivo EAS+F, una Marilyn de Andy Warhol, los boteros, un Manolo Valdez y un Guayasamin; la energía electrizante que ofrecen un par de galeristas de la hermana republica de Colombia al publico asistente y a los posibles compradores. De resto el aburrimiento es torturador.
Me pregunto que hacen los curadores de arte a parte de exponer su criterio en los salones de arte. El director de esta orquesta que es la FIA cuál será su idea del asunto, una FIA con un concepto grafico enclavado en la obra del Maestro Carlos Cruz Diez, sin darle chance a retratarse en la imagen de otros artistas, digo yo preferiblemente emergentes. Bs. 40 la entrada y Bs. 150 el catalogo. Aquí las imágenes del recorrido visual que no deja de ser una cita obligada a los amantes del arte.

Tomado de Chivacoa.com

Centro de Arte Los Galpones

Performance en el Centro Cultural Chacao

Diez de los '80 en D'Museo

DIEZ DE LOS 80
Los años ochenta en Venezuela fue conocida posteriormente como La DécadaImpensable por Luis Enrique Pérez Oramas o La Década Prodigiosa por Luis Ángel Duque en un catálogo fundamental de la Historia del Arte Venezolano llamado Los 80. Panorama de las Artes Visuales en Venezuela, patrocinado por el Banco Mercantil como apoyo historiográfico cuando se hizo la primera revisión de esos años en la Galería de Arte Nacional en la década siguiente. Estaban en esa exposición presentados los grandes artistas jóvenes del momento y lo que ellos representaron. Con tal muestra, el museo cumplía a cabalidad su rol de contralor –que no controlador- de la creación artística en el país y el mercado de él derivado. El avance de los nuevos medios, la fotografía como nueva forma de representación de realidades ilusorias o escenificadas, los performances con el cuerpo como objeto y sujeto de la creación artística, el renacer de la pintura, que volvió a atraer a las multitudes desencantadas de su marginamiento del arte en todo el planeta, revivida por los nuevos salvajes alemanes y la transvanguardia italiana luego que un arte conceptual adocenado y sin concepto y un dibujo perfeccionista y relamido ahogaron al mundo del arte. En todas las tendencias se vio renacer la pasión de los venezolanos hacia el arte y sus creadores. Una generación además profundamente afectada por un liderazgo social y político que no fue capaz de generar ni encantar con un nuevo modelo de país que sustituyera al modelo de modernidad gestado por todos a la muerte del gomecismo.
Entre aquellos años ochenta y estos primeros del siglo XXI ha pasado mucho agua por el molino del tiempo; muchos cambios se han dado a pesar del liderazgo, desde la popularización de las incipientes computadoras personales, la digitalización de la imagen, la globalización de las costumbres, el surgimiento de un nuevo segmento socioeconómico muy poderoso constituido por la juventud, hasta la revolución informática y telecomunicacional.
Con esta exposición pretendemos rememorar aquellos años y destacar la labor creativa, a plena capacidad, de un valioso grupo de esos creadores que se destacaron antes y lo siguen haciendo ahora. Ellos han mostrado coraje creativo, virtudes cívicas y siguen siendo actores de primera línea en la continua historia del arte venezolano que depende de ellos y no de curadores, críticos, galeristas, iluminados o burócratas.

Nicomedes Febres

Karim Borjas en Art Chicago

LIHIE TALMOR: Rastro de Sitio

Lihie Talmor: Rastro de sitio

Esperanza León

En la obra de Lihie Talmor existe un interés ―fascinación quizás― en la estructura de las cosas, sea en calidad de arquitectura, paisaje, figura o tiempo. El término estructura implica rigidez, pero en el caso de esta artista las estructuras son formas y conceptos ambiguos y flexibles; son huellas o palimpsestos.

Al indagar en la obra de Lihie Talmor es inevitable aplicar conceptos de arquitectura, lo que no está fuera de lugar puesto que la artista fue formada en esta disciplina. Luego vienen las asociaciones con historia, literatura, arqueología y sociología, pero es aquella idea conformada por una visión arquitectónica/urbanística la que nos guía en el caso de esta serie de siete grabados que realiza Talmor a principios de 2009. La artista demuestra, con la presente serie, su incansable interés en retarse con técnicas nuevas. Estos grabados ―creados con planchas de Solarplate, un proceso de impresión fotosensible, son el resultado de una búsqueda que une procesos fotográficos, digitales, pictóricos y gráficos―, evidencian una vez más el papel que juega lo constructivo en su obra.

Estos laberintos personales, como ella misma los denomina y representa, hacen recordar las Cárceles imaginarias de Giovanni Battista Piranesi, aquellas inolvidables representaciones de espacios misteriosos, laberínticos e irracionales. De manera similar, en la serie actual, Talmor aborda espacios subterráneos ―aunque, al contrario de Piranesi, estos son reales, tratándose de túneles de la época bíblica que sirven como el punto de partida para la obra.

Asalta la memoria con la yuxtaposición de elementos figurativos/orgánicos con otros mecánicos/industriales. La incertidumbre predomina: aquella posible percepción de un espacio definido, de formas reconocibles, queda trastornada por la manipulación de superficies, texturas y sombras.

En términos arquitectónicos, el palimpsesto es interpretado como el fantasma de un elemento estructural que existió. Así mismo, en la obra de Talmor podemos interpretar el fantasma ―el rastro de un sitio― en ese espacio que ella crea, compuesto de elementos opuestos: orgánicos y constructivos, sólidos y etéreos. De allí evocamos recuerdos y memorias de lugares conocidos, y también por conocer.

Exposición: 3 en Colectiva

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A partir de este miércoles 7 de Octubre, la galería La Carnicería presentará la exposición "3 en Colectiva", presentando un conjunto de obras recientes de los artistas venezolanos Dulena Pulgar, Paulo Castro y Javier León.

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Nota:

Estimados lectores: Recuerden que este blog es un medio abierto al público y busca ser imparcial pues el contenido de éste no refleja las opiniones, pensamientos, estrategias o intenciones generales de el equipo editorial de El ¬°J°- Cultural, el cual, de más está decir, se mantiene imparcial con los articulos o notas publicadas. Este blog no suscribe necesariamente el contenido de estos mensajes. Cabe destacar que la responsabilidad de lo publicado en este apartado del sitio web recae en cada uno de los propios usuarios y anunciantes. Al utilizar este servicio el usuario o redactor de cada artículo se compromete a no enviar ni transmitir contenidos ofensivos, obscenos, amenazantes, ilegales o cualquier otro que vulnere los derechos de terceros, basados en la libertad de expresión y opinión fundamentales en toda sociedad democrática y libre.

Paisajes Interrumpidos de Susy Iglicki

Desde el miércoles 30 de septiembre, Galería La Cuadra presenta la exposición Paisajes interrumpidos, un conjunto de obras recientes con las que Susy Iglicki vuelve a la pintura que había cultivado ya en la década de los ochenta, tras ser conocida y reconocida desde los setenta por sus trabajos sobre papel, tanto en dibujo y grabado como en técnicas mixtas. En Paisajes interrumpidos, Iglicki se conecta con una significativa corriente del arte venezolano contemporáneo que reivindica y a la vez cuestiona nuestra tradición geométrica, sello de una modernidad que pervive y se transforma desde un lenguaje muy personal, incluso íntimo, a través de esa mirada que transita entre la naturaleza, el arte y la naturaleza del arte.

Desde el 1º de octubre al 8 de noviembre 2009.

Horario:
Martes a Viernes 11am – 6pm
Sábados y Domingos 11am – 4pm

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Paisajes Interrumpidos
Susy Iglicki

Conocida y reconocida desde la década de los setenta por sus trabajos sobre papel, tanto en dibujo y grabado como en técnicas mixtas, Susy Iglicki vuelve ahora a la pintura que ya había cultivado en los años ochenta. Si bien existe un parentesco ineludible entre aquellas obras sobre papel y estas nuevas sobre tela -una misma estética del rigor, la contención y la sutileza- éste no remite meramente a una pintura realizada ocasionalmente por una dibujante-grabadora, como una especie de divertimiento sin mayores compromisos.
Al contrario, se afirma una personalidad artística reflexiva e introspectiva, que no sólo se ha apropiado de los recursos formales (dentro de la riqueza contemporánea de hibridación entre elementos pictóricos tradicionales y otros extra-pictóricos), sino que la artista está enfrentando sin retórica las sospechas que rodean a la pintura de nuestro tiempo, en una fase post-histórica y cuando su relación con lo real sigue siendo, sin embargo, un eterno e impostergable cuestionamiento, tanto del arte como de lo real.
En este sentido, el título que Susy Iglicki ha escogido para su más reciente serie: Paisajes interrumpidos, arroja luces sobre una intencionalidad que tal vez la pintura misma no entrega del todo, haciendo suyos el juego de la artista entre lo consciente y lo inconsciente, lo oculto y lo revelado.
En un primer acercamiento, no se hace presente el paisaje, pues se trata de una pintura abstracta, que recurre a un vocabulario de espíritu minimalista, o en todo caso limitado adrede y riguroso: cuadrados, triángulos y sus variantes, líneas rectas, superficies planas. Nada que pueda sugerir siquiera un proceso de abstracción mediante el cual unos elementos naturales previos se verían sometidos a la geometrización como una búsqueda de lo esencial.
Luego se perfilan unas discretas líneas curvas, unas formas ascendentes, sugeridas y a la vez macizas, y así surge, más como símbolo que como representación directa, la montaña, ese Ávila que define al paisaje en la pintura venezolana y que a principios del siglo XX protagonizó su entrada en la modernidad, la ruptura con el pasado académico. De la misma manera aparecen flores que, más que la naturaleza en sí evocan patrones de ornamentos: flores codificadas, que ya han pasado por una metamorfosis, que pertenecen a un orden artístico.
Así es como entre lo visible (en lo real circundante) y lo pictórico se ha ido inmiscuyendo una suerte de eslabón, una “segunda naturaleza” que alude todavía a la primera al tiempo que la soslaya para dejar la representación en una zona intermedia, difusa, oculta tras la geometría. Se consumió una ruptura entre lo real y el ilusionismo, en cuya continuidad se fundamentaba la pintura clásica. Pero, en otro nivel, ahora conceptual, Susy Iglicki se sigue rigiendo sutilmente por la albertiana idea del cuadro como una ventana abierta hacia el universo, como bien lo revela la abundancia de formas ortogonales en su pintura. Este universo que, para ella, no es sólo el de las formas visibles en la naturaleza (la flor, la montaña) sino también el de las formas artísticas y, más allá, el de la racionalidad geométrica que permite reordenar los anteriores.
Sin embargo, la artista no se conforma con inscribirse en la tradición de la pintura, ni con ampliar al arte mismo la naturaleza del arte, sino que problematiza su propio planteamiento al introducir en un discurso aparentemente constructivo unos elementos “disfuncionales”, impuros, como actores de ruptura, fragmentación, que vienen a alterar el orden: líneas que se quiebran, que “interrumpen”, texturas en relieve que rompen con las superficies planas, caligrafías indescifrables que tienden a expandirse fuera del marco (fuera del control). Incluso los motivos florales con sus sinuosidades contribuyen a esa deconstrucción.
A través de esa mirada transita entre la naturaleza, el arte y la naturaleza del arte, Susy Iglicki, desde un lenguaje muy personal, incluso íntimo, se conecta con una significativa corriente del arte venezolano contemporáneo que reivindica y a la vez cuestiona nuestra tradición geométrica, sello de una modernidad que pervive y se transforma.

Texto por: Federica Palomero / julio 2009

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Susy Iglicki: espacios de olvido y tiempos de memoria

Las recientes realizaciones de Susy Iglicki revelan un entrecruzamiento de tiempos y espacios. En unas ocasiones se sienten espacios de tiempo y, en otras, tiempos espaciales. La verdad es que no importa el orden de prelación sino la metáfora estética que se promueve. El tiempo se presenta como memoria (del pasado), como vivencia (del presente ) y como vocación de futuro. Pero, ¿acaso no debemos aceptar –con Aristóteles- que el pasado, el presente y el futuro no son más que las imágenes móviles de una misma realidad? Pues bien, parece que la artista acepta este designio pero con un espíritu inquisitivo y escrutador. El asunto no es demostrar esas conjugaciones sino encontrar los posibles desencuentros entre ellos.
En el marco de esos propósitos, afloran sus “Paisajes interrumpidos”, en donde siempre queda registrada la idea de ruptura, de corte, de intersticio…Estas sugerencias adquieren una poderosa resonancia a partir de opciones diferentes pero conjugadas en una misma intención: algunas obras muestran cuadrados enmarcados y remarcados; otras evidencian tableros, matrices, retículas o crucigramas; las hay también con ventanas desde las cuales el espectador es observado y convocado al mismo tiempo; finalmente, se observan estructuras diferenciadas y ortogonales que se organizan en una superficie. Pero en todas estas opciones siempre aparece el dato de una fractura que problematiza el acto pictórico y trastoca cualquier sesgo complaciente.
La vivencia plástica expuesta se refuerza con los efectos visuales derivados de texturas valorizadas en función de relieves que coexisten con zonas atenuadas en su saturación cromática. En variadas ocasiones la materialidad de ciertos campos se refugia en motivos florales que, en lugar de atender una referencialidad banal, se presentan como impactos que simulan una fuerte carga simbólica y un avezado desenlace sensible. Aquí lo simbólico se inscribe en la acción de encubrir algo más profundo de lo que se ve. Con Jean Baudrillard podríamos aseverar que “ la más alta función del símbolo es hacer que desaparezca la realidad y a la vez se esconda esa desaparición”. Lo sensible, por su parte, alude aquí a los datos que afectan el ámbito perceptivo a partir de provocaciones acentuadas y de rúbricas silueteadas. De esta manera, sus paisajes simbólicos conllevan la dosis esencial de un estado de ánimo. Parece que la artista quisiera habitar los espacios que pinta. De esta manera, se entiende que sus ejecuciones transcriban espacios de intimidad y tiempos de ensueño, ya que las instancias visibles generalmente reflejan umbrales psíquicos. En estos planos también se afirman dimensiones reflexivas y rasgos alusivos que se incrustan en una memoria profunda. Por esta vía, Susy Iglicki reafirma la noción de representación ofrecida por Octavio Paz: “La representación significa la distancia entre la presencia plena y nuestra mirada” Es, justamente, en este ámbito escurridizo y desafiante donde ella se sitúa para solventar sus iniciativas creativas. Esto explica, en cierta forma, el hecho de que sus últimas manifestaciones dejen translucir un leguaje recóndito pero asequible. Sus cuadros hacen recordar que “El arte –como decía Allan Jones- es elevar hasta el extremo lo que es trivial para trascender lo que es trivial”. (…)

Texto por: Víctor Guédez

Nota:
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“ARTURO HERRERA” Sala TAC - Trasnocho Arte Cultural

¿Bautizo de fuego o cenizas de un recorrido alguna vez lleno de grandes expectativas?

“Timada” y “Frustrada” son, tal vez, los mejores calificativos que describen la deprimente sensación que me invadió desde el mismo momento que entré y observé la llamada “gran” exposición del artista Arturo Herrera en la Sala TAC del complejo Trasnocho Cultural de Paseo Las Mercedes en Caracas.

Sedienta de nuevas alternativas diferentes a las presentadas en la ya obsoleta y poco innovadora Feria Iberoamericana de Arte (FIA), este año aún más decadente, llena cada vez más de adornos menos de arte que en muy contados casos pude disfrutar, fui absolutamente tentada por la nota de prensa publicada en la página del Trasnocho Arte Cultural y decidí acudir al encuentro de una propuesta que prometía ser diferente, fresca y finalmente de calidad para el enriquecimiento de la diversidad cultural que tanto escasea en nuestra ciudad, la exposición “Arturo Herrera en la Sala TAC”.

Para comenzar les comento que es molesto que se anuncien con grandes falacias, exageraciones y, en el mejor de los casos, verdades a medias, que se apoyen enviando invitaciones de diseñadores con cierta reputación y que se den el lujo de autoproclamarse los “descubridores” de este artista para luego, “después de un año de trabajo”1, presentar el desastre sin sentido que tienen montado muy a pesar de la buena calidad a que nos ha acostumbrado el artista - “uno de los creadores plásticos más destacados e influyentes de su generación a nivel mundial”2 - con sus exhibiciones fuera de nuestras fronteras, algunas de las cuales, en mi afán de investigadora y como museóloga, he tenido dichosamente la oportunidad de visitar personalmente y siempre han satisfecho e inclusive han desbordado mis más exigentes expectativas.

“Una curaduría de Miguel Miguel” resalta a grandes rasgos en la invitación oficial de la Sala TAC, recayendo la primera responsabilidad en este ya conocido personaje. Ésta deja mucho que desear, empezando que allí no hay aparentemente criterio curatorial alguno o siquiera rastros de museografía, sino un parco acomodo seriado de piezas, en su mayoría apretadas en las paredes, tal como lo haría cualquier decorador de tienda por departamentos con sus mercaderías, clasificadas como lo hiciera cualquier niño al que le mostrásemos una cantidad determinada de elementos y pidiésemos los separaren en grupos – o conjuntos- de acuerdo a sus características esenciales. Un gran desperdicio de oportunidad, tomando en cuenta la pulcritud técnica de los montajes y las bondades arquitectónicas de este celebrado espacio.

El otrora autoproclamado descubridor de Arturo Herrera comentó en una entrevista hace unos meses en el diario Tal Cual (publicado el 11 de marzo de 2009, autoría de Carmen Victoria Méndez), que se atribuía, cual Fleming y la penicilina –así de simple- el descubrimiento de este artista y afirmó haber hecho esto hace algún tiempo y por mera casualidad, en una revista de arte internacional: “Un día lo vi en la tapa de una revista e, intrigado, la compré. Leyéndola me enteré de que, en efecto, se trataba de un artista venezolano…” según relatan sus propias palabras reseñadas en dicho artículo. Lamento aclararle que de ser cierta su aseveración, lo único que esto demuestra es una entera carencia de seriedad y falta de investigación, puesto que Arturo Herrera tiene muchos años ya (aproximadamente 15 años que yo sepa, sin pretender ser experta en la materia) brindándonos su enigmático arte en afamados e importantes espacios foráneos y dejando el nombre de su tierra, Venezuela, muy en alto. Lejos de vanagloriarse por este terrible hecho que sólo pone de manifiesto su ignorancia supina y extrema mediocridad respecto al conocimiento de la escena del arte contemporáneo internacional, el “Curador”, de más recordar conocido por su gran exceso de ego, debería asumir un rol un poco más humilde y aprender a callar esas cosas que sólo le hacen daño pero que lanza a la prensa cual muchachito malcriado tal vez buscando de llamar la atención dentro de un mundo que ya no lo nota, o cuando apenas lo hace, le ve cansado, aburrido y carente de originalidad en sus ya repetitivas “Curadurías”.

Al entrar, oficialmente la primera promesa incumplida: Un gran catálogo exclusivo que estará firmado por el artista según dicen. La única verdad: el inevitable y merecido premio a la improvisación…. el catálogo no estuvo listo según lo pautado y en consecuencia no será firmado por el artista; inclusive, en vista de no conseguir a estas alturas –a un mes de aperturarse la muestra- el material propuesto para la elaboración del mismo, tuvieron que regatear recientemente en el mercado de Coche para comprar carátulas viejas de discos (aquellos en vinilo de 331/3 rpm) a fin de completar los cartones que les permitirán elaborar las carátulas del libro. Pero para no perder tiempo con este obstáculo, encontraron una muy poca ortodoxa manera de sacarle provecho: Pre-venderlo en 450,00 Bs. F. cada uno (Sí, 450.000,00 Bs. de los viejos- más de el triple de su valor de producción según me relató vía telefónica la Srta. Giorelis, del equipo responsable de esta edición) para entonces aprovechar y cubrir no sólo su costo sino el de la misma exposición a cuestas de nosotros, los mismísimos visitantes. Este catálogo, por ahora virtual, se concreta al día de hoy en sólo un par de ejemplares “modelo” que tienen para enseñar a los visitantes de la sala. Al hojearlo notamos de inmediato su gran fragilidad y anunciada fugaz durabilidad, convirtiéndolo en una publicación casi “efímera” como lo son regularmente las obras producidas por el Sr. Sotillo: impecablemente estéticas pero absolutamente imprácticas; nos damos cuenta también de que en el contenido de esta publicación hay una inmensa cantidad de obras que dicen estar expuestas en la sala, pero de nuevo difiere por completo de la realidad ¿serán delirios de grandeza o nuevamente producto de la improvisación y descoordinación definitivamente reinantes?. En fin, al lado de los machotes del catálogo está también disponible para la venta inmediata “…Una serigrafía, que es una obra gráfica hecha en el mejor taller de Berlín. La pieza que ya está impresa vendrá a la sala TAC para sufragar los gastos de la exposición. Se puede vender muy bien entre los grandes coleccionistas venezolanos, que no son muchos, lamentablemente.” (Expresión tomada nuevamente citada de las palabras originales del “Curador”). Esta impresión dicen cuenta con un corto tiraje de sólo ¿15 piezas? lo cual es incierto nuevamente ya que se hicieron 45 de ellas más las Pruebas de Artista correspondientes (Confirmado por la prensa en Alemania quien las editó originalmente y evidente en la firma y enumeración que las mismas muestran de puño y letra del mismo artista lo que siempre será un tiraje de 45 piezas así el personal de la Sala se empeñe vigorosamente en negarlo).

“Un gran mural de 10 metros” anunciado en los diarios , que luego fue reducido a 7 metros en la más reciente nota de prensa de la Sala, “realizada en grafito directamente sobre la pared…creada por Herrera especialmente para la Sala TAC”3….. ¿Otra vez equivocados?…. Está hecho con pintura negra de aparente mala calidad, con muy mal acabado por cierto, y debe medir los anunciados 7 metros, pero cuadrados, no lineales porque dista mucho de ser la gran obra descrita en la publicidad de la prestigiosa sala donde lo único veraz es que la misma fue creada especialmente para la muestra.

En la pared de la entrada lucen insignificantes unos 5 pequeños collages que, apilados como están, parecen un juego o “set”, en vez de lucir como piezas individuales y completas. Es una pésima selección el que las piezas de entrada sean estas que lucen pobres e inacabadas, pero según ellos es el criterio del “Curador”, justificación que infinitamente alega el personal ante cada pregunta que les hice en relación a la improvisada “museografía”.

Al pasar esta barrera noté de inmediato en la pared de la izquierda una saturación de 5 gigantescos collages que penden de la pared desnudos, sin separación que permita distinguirlos y analizarlos correctamente, sin marcos, sin gracia; parece el display de una venta cualquiera de tapetes persa, de esas que tanto hay en el Boulevard Guevara de nuestra querida Isla de Margarita. Nuevamente sin sentido de ética y sin justificación más que mostrar toda la mercancía que se tiene en venta…. Parece que el “Curador” se hubiese basado – y así por primera vez creo haber dado con la pista a su tema inspiración, su musa, para esta “museografía”- en aquella frase popular que reza: “Lo que no se muestra, no se vende”.

Al frente, un conjunto de obras recortadas en cartulina de colores que conforman una sola pieza, a decir de frágil manufactura y que lamentablemente es devorada por la prenombrada aparente “tapiserie” que se encuentra justo al frente, además de terminarse de ahogar al ser flanqueada a su derecha por el “gran” mural.

Una serie de piezas escultóricas encerradas en torpes cajas con marco de hierro negro, las que ya había visto el año pasado en la exposición del artista en su galería de Nueva York (que Uds. mismos pueden visualizar en www.youtube.com) es lo que continúa; sin pena ni gloria allí se encuentran, montadas tal como fueron mal criticadas en esa misma exhibición, sin variación, salvo su precio, el cual si “mejoró notoriamente” pasando a 18,000.00 USD según me informó el personal del lugar, quien además me confió que, con excepción de un par de piezas de las allí exhibidas y que se encuentran a la derecha de esta sala, lo demás estaba en venta, pero “sólo a determinado público”. Vaya selectividad que nuevamente no sé en que parámetros está basada: “Sra.: Si desea comprarlas debe hablar con la directora, que es la que se encarga, no puedo decirle más”. Un poco consternada quedé ya que al parecer no llenaba el perfil “dedocrático” que me haría digna de ser merecedora de ser atendida por la directora y cuanto menos de acceder la lista de precios en cuestión, pero esta servidora no podía quedarse impotente y de brazos cruzados, así que un poco de indagación periodística vía telefónica con el personal de la Galería Sikkema Jenkins & Co. de Nueva York, lugar que les mencioné en este párrafo como representante del artista y que la misma Sala anuncia como co-autora de esta exhibición en complicidad con él mismo, confirmó que las piezas si les pertenecen, provienen directamente de sus “depósitos” y efectivamente, según convenio establecido con la Sala TAC, están todas a la venta, haciendo cabal gala a las palabras del “Curador” cuando plasmó en la prensa su lapidaria frase “Todo arte es comercial”4. Al parecer son obras ya expuestas que no tuvieron interés alguno (obviamente) en las ya varias exposiciones de la galería neoyorquina y que, sin otra posibilidad de venta, ahora nos traen para presentárnoslas como las grandes piezas del artista y venderlas en nuestra ciudad, a los llamados escasos grandes coleccionistas venezolanos 5 como si se tratase de obras de primera línea. Sobran los comentarios, como dice el refrán: “espejitos para los indios….”. Es triste que el mal llamado “debut” del profeta en su tierra sea con “sobrados” de sus galeristas foráneos… tristemente lo mejor para afuera y lo peor para nosotros, práctica muy común en nuestro país y a lo que los venezolanos parecemos estar acostumbrados y expuestos. Allá el inocente inversor que caiga en este viejo truco nacional del que, con suerte, escapa sólo del ojo experto y especializado en la materia correspondiente y que han de ser escasos como al parecer deliberadamente ya lo había calculado y anunciado el “Curador”.

Finalizando ya con el recorrido, el “clímax” de mi visita llegó a su punto mas elevado –Nirvana-, en la última agrupación de obras donde el “Curador” realmente nos sorprende con su gran genialidad y su gran poder destructivo al hacer lucir piezas tan extraordinarias, como lo son los fieltros cortados del artista, como un amasijo de trapos colgantes, de toallas sucias o percudidos harapos…..faltarían sólo unos lockers, un banquito de madera en el centro y tal vez un poco de vapor en esta sala para que definitivamente se asemeje a un auténtico vestier de gimnasio.

Que tristeza, que mediocridad la que acababa de presenciar…. ¿Es que acaso no estaba allí el artista presente para defender su propia obra de este gran atropello curatorial o será que él es cómplice de ésta, su propia desgracia?

Tenía razón Miguel en el prenombrado artículo de Tal Cual: Este es “su bautizo de fuego”, fuego que al parecer se desbordó consumiéndolo por completo, arrastrando consigo al mismo complaciente artista y a uno de los mejores y más reputados espacios culturales de la ciudad, igual que ocurriera en aquella muy conocida escena de la cinta fílmica Carrie 6, dejando sólo cenizas de lo que fueron mis expectativas y supongo las de muchos otros, antes de aventurarme a visitar esta “promitente” muestra. Mejor suerte y menos improvisación en la próxima.

Ana Paola Rodríguez W.
Lic. Museología e Historia del Arte
Para El Ojo Crítico

FUENTES Y CITAS:
1: ARTURO HERRERA, Nota de Prensa, Sala TAC, website del Trasnocho Cultural.
2: IBIDEM
3: IBIDEM
4: "Todo Arte es comercial" , Diario Tal Cual, entrevista a Miguel Miguel por Carmen Victoria Méndez, 11/03/09
5: IBIDEM
6: Producción fílmica adaptada de la Novela “Carrie” de Stephen King, dirección Brian DePalma, 1976.

Imagen Fotográfica de Miguel Miguel en "Todo Arte es comercial", Diario Tal Cual, entrevista a Miguel Miguel. Foto tomada por Saúl Uzcátegui, 11/03/09

Nota:

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