Sala Mendoza - Inauguración 16-10-11

Tenemos el gusto de invitarles a la inauguración de las exposiciones Once Tipos del 11 e [in] material [trans] material de Isabel Cisneros el próximo domingo 16 de Octubre a las 11 am en la Sala Mendoza.

Retomando el nombre y el espíritu de la emblemática Once Tipos, la Sala Mendoza presenta una selección de artistas jóvenes quienes, a través de diversas propuestas, participan en el heterogéneo paisaje visual del arte venezolano actual.

Con el propósito de continuar con la difusión del arte contemporáneo, la Sala Mendoza presenta Once Tipos del 11 a partir del 16 de octubre. Bajo la curaduría de María Elena Ramos, Rafael Santana y Costanza De Rogatis, la exposición está integrada por los artistas Miguel Amat, Annella Armas, Ángela Bonadies, Nayarí Castillo, Elias Crespin, Suwon Lee, Richard López, Cipriano Martínez, Daniel Medina, Juan José Olavarría y Juan Requena quienes, a través de diversos medios, dan cuenta de la pluralidad contemporánea en las aproximaciones al hecho artístico.

El mismo 16 de octubre inaugura en los espacios de La Librería de la Sala Mendoza la muestra Isabel Cisneros [in] material [trans] material, que reúne cerámica torneada, esmaltada y cestas tejidas a crochet realizadas específicamente para esta ocasión, y que evidencian el interés y los aportes de Cisneros a la investigación de distintos materiales.

Les agradecemos nos acompañen y remitan esta información a sus amistades e interesados en el Arte y Cultura.

Reciban un afectuoso saludo,

Fundación Sala Mendoza

Edif. Eugenio Mendoza Goiticoa,

planta baja. Universidad Metropolitana.

Urb. Terrazas del Ávila, Caracas 1080.

Tlf. (0212) 243.5586 / 242.7560

Fuente: Fundación Sala Mendoza

Inauguración LÍNEA Crítica en Galería ARTepuy

LÍNEA crítica

La Galería Artepuy -vinculada al circuito de las artes en Las Mercedes-, expondrá durante el mes de octubre la colectiva LÍNEA crítica conformada por los artistas venezolano: Pietro Daprano, Marienna Garcia-Gallo, Alexander Gardel, Yuri Liscano, Pepe López, Julio Pacheco Rivas y Alfredo Ramírez. La exhibición, a inaugurarse el domingo 16 de octubre a las 11 de la mañana, estará por espacio de un mes en la galería. La colectiva reúne pintura, dibujo y fotografía y cuenta con la curaduría de Lorena González.

LÍNEA crítica permanecerá en las salas de la Galería Artepuy hasta el domingo 20 de noviembre en la urbanización Las Mercedes, calle California c/calle Jalisco y en horario expositivo de lunes a viernes de 10:00 a.m. a 1:00 p.m. y de 3:00 a 7:00 p.m.; sábados de 10:00 a.m. a 4:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 3:00 p.m. Teléfonos: (212) 993 0974, (0414) 129 47 81

LÍNEA crítica

Desde hace algunos años se ha escuchado con cierto menosprecio hablar sobre algunas propuestas formalistas del arte venezolano. Para muchos, la geometría o las variaciones de la abstracción son una medida cómoda que ya se ha consolidado como una disciplina decorativa, aceptada y recibida por su gran alcance comercial. Más allá de las quimeras o realidades que puedan esconderse tras estas aseveraciones generales, el siguiente proyecto expositivo se ha propuesto poner en relación algunos aspectos de la producción más reciente de un grupo de artistas de distintas generaciones, quienes profundizando en ciertos ejercicios formales desestabilizan este criterio y generan la implosión de los cuestionamientos y reflexiones que ese quiebre de lo real-cotidiano azuza en sus intenciones artísticas.

Es así como desequilibrios cromáticos, perspectivas engañosas y perversas traslaciones de la rectitud del trazo se vuelven en estas piezas una fuerza trepidante de construcción simbólica. Cuerpos de trabajo que bajo la cimbreante potestad de la línea trasgreden formatos y se desplazan hacia nuevos caminos, palpitando entre la polémica y la metáfora. Desde los paisajes estructurales de movedizas ranuras y cambios de ejes que propone Julio Pacheco Rivas hasta los vibrantes rizomas corpóreos que se estremecen en el meticuloso trazo poético de Alfredo Ramírez; sin olvidar las densidades estéticas de la ruina y el caos citadino en la fotografía de Pietro Daprano y Yuri Liscano respectivamente, o los renovados cuerpos abstractos del deshecho que nos proponen las obras tridimensionales de Pepe López. Finalmente, las revisiones irónico-sensibles de Alexander Gerdel sobre los padres de la geometría venezolana despuntarán frente a los complejos planos cromáticos de esa dura realidad sobrepasada por la miseria que respira en las controversiales imágenes de la joven Marienna García-Gallo.

Línea crítica es en realidad una zona de cruce múltiple, un amasijo punzante de temperaturas y obsesiones que se internan en los meandros de lo real, revelando las variables abismales de un contexto tan sutil como devastador.

Lorena González

Fuente: Galería Artepuy

Inauguración, exposición " No parecen Vainas Tuyas "

Galería Diaz Mancini
Invita

Inauguración, exposición
" No parecen Vainas Tuyas "

Domingo 16 de Octubre 2011 . a las 11 Am

Del Domingo 16 de Octubre de 2011

...al Domingo 04 de Diciembre de 2011

Lunes a Viernes 10.00 am a 7.00 pm

Sábados y Domingos 11.00am a 2.00 pm

Fuente: Galería Diaz Mancini

Crónicas de una amante de la fotografía... Exposición de Chema Madoz en Venezuela

Ya la simple noticia de saber que habría una exposición de este mago español del arte en Venezuela me tenía ansiosa desde hace un par de semanas. Los tweets y el facebook me recordaban a cada instante la infaltable cita.

Desafortunadamente y "gracias" al terrorífico tráfico e intensa lluvia del día jueves, renuncié a mitad de camino, en vista de la imposibilidad de llegar a tiempo, a acercarme al primer acto inaugural de la muestra que anunciaba un Cocktail y tertulia en la Sala 2 de la Galería Odalys. Realmente una lástima no haber llegado, me doy cuenta ahora, después de oír los comentarios.

Un tanto frustrada por el fallido intento del día jueves, el día de ayer me decidí a emprender de nuevo la aventura. Me dirigí a ambas locaciones, primero a la "Galería Odalys" (ya que habiéndole visitado en otras ocasiones ,sabía donde se ubicaba con exactitud), a eso del mediodía. Allí se encuentra una parte de la muestra de este gran creador... imágenes sorprendentes y gracias a Dios un sofá para sentarse con calma y apreciar una a una las obras. Excelente selección, agradable ambiente y buen montaje, aunque es demasiado para poco rato.

Entusiasmada por lo visto y luego de confirmar con el personal de esta Galería la locación de la otra parte de la muestra, catálogo en mano cual trofeo, me enrumbé a la sede de la "Fundación D.O.P." en la Urb. Las Mercedes... un tanto escéptica, pues no conocía el lugar ni había oido hablar con antelación del mismo ya que al parecer tiene poco tiempo de haber abierto sus nuevas salas al público, pero definitivamente tenía que ver el resto de las piezas.

Les cuento: que grata sorpresa la que me he llevado!. A eso de la 1:30 de la tarde arribé al lugar. Un parquero especialmente provisto por la institución me recibió en la puerta y estacionó el vehículo por mi, entregándome la llave del mismo con una sonrisa y recordándome gentilmente, a la vez que me daba la bienvenida, que el servicio era una cortesía de la Fundación. Una corta escalera me dio entrada a un maravilloso local, de primera clase que se esconde detrás de una puerta que solo deja entrever Fundación D.O.P., sumergida al fondo de un pequeño pero delicioso jardincito, donde había un grupo de personas y muy reconocidos fotógrafos del medio conversando y disfrutando de las atenciones y bondades del lugar.

Al entrar quedé nuevamente fascinada por la cantidad y calidad de gente que circulaba por allí. Aquí encontré la otra parte de la muestra, las obras son maravillosas, montadas de manera óptima, apreciables de una a una, sin interferencias, un montaje cónsono al gran espacio de las salas, con un cuidado al detalle y una limpieza en el ambiente que, de verdad, me transportó a esas grandes aperturas y exposiciones que se hacían en este país hace unos 15 o 20 años. Un maravilloso Cocktail, según se anunciaba, como en los esplendorosos tiempos pasados, un "Brunch" hacía aún más insólita la situación. Era como haber escapado en el tiempo o, tal vez cómo estar en otro país, en una institución europea. La gente exquisita, el ambiente ideal, la música, el personal de la sala y hasta los mesoneros de una educación como ya no se ve.... corría champagne francés sin parar y el obsequio hasta excesivo. Es que no había detalle que no estuviera perfecto. Imposible de criticar. Los Directores de la institución jóvenes emprendedores, conocedores y encantadores. Gente del medio, reconocidos artistas, periodistas, socialites y Odalys, directora de la Galería Odalys; todos en perfecta armonía. Me encontré con varios conocidos y la inevitable tertulia sobre el arte, Chema, el lugar y este tipo de iniciativas me atrapó hasta muy entrada la tarde.

Definitivamente, ante el escepticismo confeso que refería al principio de mi relato, considero justo contarles que he encontrado un lugar "chic" y de primera clase, que se hace muy digno de presentar esta esperada exhibición de Gran importancia. A todos los que allí estaban les doy las gracias por hacerme pasar un momento realmente de otro mundo, definitivamente la dirección hacia donde debimos evolucionar y nos hace saber que aún existe esa Venezuela que todos recordamos con cariño y deseamos vuelva con desesperada pasión.

Exposiciones como esta nos llevan al primer mundo y nos hacen sentir alegres y vivos por dentro. Realmente se los recomiendo y estaré muy pendiente de eventos y exposiciones futuras que tengan a bien llevarse es estas salas de la Fundación D.O.P. Cuenten conmigo, yo quedé "atrapada".

Enviado por:

Natalia Martínez Ruggiero

Perán Erminy muestra sus laberintos en la Fundacion Banco Provincial

Perán Erminy es además crítico, curador, conocedor e investigador del mundo plástico venezolano. En total son 90 las piezas, realizadas con técnicas mixtas sobre papel, que serán expuestas bajo el titulo de Laberintos.

Desde el jueves 6 de octubre y hasta el 4 de diciembre, en la galería del Banco Provincial, en La Castellana, se exhibe Laberintos, del artista y crítico de arte Perán Erminy, una muestra en la que el color, la textura y hasta la tipografía forman parte del recorrido visual que atrapa al visitante.

El pequeño formato predomina en las imágenes que exhiben variados soportes para ilustrar una emotiva complejidad temática, que permite realizar un acercamiento íntimo a esta obra oculta en baúles, y que se da a conocer en esta primera muestra individual.

"Me gusta hacer homenajes a los demás", confesó el artista al abordar la labor realizada para la exposición que consideró "autobiográfica"; un relato visual de "ochenta años de trabajo" que empezó poco después de los tres años de edad. "Mi vida ha estado signada por la dualidad y el antagonismo", reveló Erminy, quien se refugió en "los libros", lo que le permitió "la aventura de la imaginación".

Este creador plástico ha estado signado por la polémica a lo largo de su vida, también por las privaciones de libertad desde tiempos estudiantiles y durante la dictadura perezjimenista. "Conozco todas las cárceles de Venezuela", añadió humorísticamente sobre estos episodios que han marcado su aversión por la injusticia: "Tengo una repulsión visceral contra la violencia".

Una aspiración

"El arte me hace reencontrar a la humanidad", reveló Erminy en un encuentro con los medios de comunicación, luego de su relato sobre la visita a los campos de concentración europeos, años después de la guerra. "Se me cayó todo asidero", rememoró sobre esa visita que hizo cuestionar al hombre y su naturaleza: "Era un suicida ambulante en las ruinas de Alemania". He ahí su predilección por el arte como "una aspiración" que permite salir del "laberinto de las pesadillas".

Por otra parte, la curadora de la exposición, Mariela Provenzali, calificó como un "gran reto" el trabajo de organización del material que dispuso para esta muestra. "Fui organizando a mi manera, con asociaciones visuales para dar luces y encontrar la salida al laberinto", explicó la investigadora, quien relató además que la muestra se complementa con un video testimonial sobre este hombre que ha sido más conocido por crítico de arte.

Además, una vitrina recoge momentos especiales de la vida del cultor, con publicaciones sobre crítica de arte y la innovadora exposición Confluencias, que marcó un hito en la historiografía del arte nacional. "Mucha gente quería decir cosas sobre él", comentó Provenzali al afirmar que no todas y todos pudieron sumarse al video testimonial y al catálogo de la muestra de este artista que participó en vanguardias como Los Disidentes y el grupo Madi.

La investigadora también destacó el peso que en Laberintos juega el valor de la contradicción en la conexión con el artista.

"Organizar este cuerpo de trabajo es un privilegio", expresó Provenzali, quien no pudo ocultar que sus sentimientos se movieron entre la admiración y el pudor por confrontar a un hombre que ha considerado como "un libro de cabecera" en su formación profesional. "¿Qué hago yo con este tesoro?", se preguntó la curadora a propósito del trabajo de organización de las obras que hoy comparte con la colectividad en la muestra que se exhibirá hasta el 4 de diciembre.

Por otra parte, Felisa González, vicepresidenta de la Fundación Banco Provincial, enfatizó en la labor del artista y crítico de arte como alguien que "ha marcado" la plástica nacional. "Es una oportunidad de conocer, vivir y aprender sobre los valores", afirmó.

Laberintos. Obras de Perán Erminy. Galería del Banco Provincial, en La Castellana. Entrada Libre. Horario: de lunes a viernes, de 10:00 de la mañana a 3:30 de la tarde, y los domingos de 11:00 de la mañana a 3:00 de la tarde.

Fuente:

Enfoque365.net

Invitación Actos de Apertura Exposición Chema Madoz en Caracas

La invitación es para la esperada exhibición de Chema Madoz, premio Nacional de Fotografía de España que se efectuará en nuestra ciudad. La muestra será expuesta conjuntamente en dos sedes (cada una con obras diferentes autoría del fotógrafo Español) y los actos inaugurales serán:

Jueves 06 de octubre de 2011

Lugar: Odalys Galería de Arte, Centro Comercial Concresa, Nivel Planta Baja, Prados del Este.
Acto: Tertulia sobre Chema Madoz y Cocktail.
Hora: a partir de las 6:00 p.m.




Domingo 09 de octubre de 2011

Lugar: Fundación D.O.P., Salas 2 y 3, Urb. Las Mercedes, Av. Principal,
Torre D.O.P.- Multicentro Las Mercedes.
Acto: Opening Brunch.
Hora: de 11:30 a.m. a 3:30 p.m.

"Metamorfosis del pensamiento" está conformada por una treintena de piezas de variados formatos, lo que permite una lectura coherente del trabajo del artista y está dividida en dos partes para optimizar su percepción y permitir al espectador el tomarse el tiempo necesario para analizar y descifrar el enigma que encierra cada fotografía sin saturarse.

Una de ellas se exhibe en los espacios de la Sala 2 de la Odalys Galería de Arte, ubicada en el Centro Comercial Concresa, Nivel PB, Local 115, Urb. Prados del Este y la otra tiene lugar en las Salas 2 y 3 de la Fundación D.O.P. ubicadas en avenida Principal de las Mercedes, Torre D.O.P. - Multicentro Las Mercedes (entre calles Monterrey y Mucuchíes), Caracas.

La muestra puede ser visitada, en ambas sedes, desde la fecha de su respectiva apertura hasta el domingo 04 de diciembre 2011 en los siguientes horarios:

-Odalys Galería de Arte de martes a sábado de 10:00 a.m. a 1:00 p.m. y de 2:00 p.m. a 6:00 p.m. Domingo y lunes cerrado.

-Fundación D.O.P. los martes y miércoles de 2:30 p.m. a 6:00 p.m., jueves a sábado de 2:30 p.m. a 7:00 p.m. y los domingos de 11:30 a.m. a 5:00 de la tarde. Lunes cerrado.

Todos quedan invitados, serán bienvenidos, la entrada es sin costo y ambas sedes cuentan con estacionamiento para su vehículo. Para mayor información están a disposición los portales en la red: www.odalys.com y www.fundaciondop.org donde encontrará información actualizada de esta exhibición y de las actividades relacionadas a ella.

Fuente:

www.odalys.com

www.fundaciondop.org

EN CARACAS -EXHIBICIÓN: CHEMA MADOZ | METAMORFOSIS DEL PENSAMIENTO DEL 06-10-11 AL 04-12-11

Del 06 de octubre al 04 de diciembre del corriente, en las instalaciones de Odalys Galería de Arte en el C.C. Concresa y Fundación D.O.P. en la Urb. Las Mercedes, se desarrollará la exposición del importante fotógrafo español Chema Madoz, con una serie de obras originales autoría del artista madrileño y Premio Nacional de Fotografía (España, año 2000) entre otros numerosos reconocimientos obtenidos a lo largo de su fructífera trayectoria.

Titulada “Metamorfosis del pensamiento” y a pesar de la activa agenda expositiva que mantiene el artista a nivel mundial, es la primera muestra del Madoz en Venezuela por iniciativa de instituciones privadas y la segunda vez que se exhibe en nuestro país luego de una ausencia de más de 10 años, desde su última vez en Museo de Bellas Artes de Caracas en el año 2001. En esta oportunidad, la exposición no solo reúne aquellas obras que el artista considera algunos de sus mejores trabajos, sino que, en conjunto, propicia el ambiente donde se da la oportunidad de un diálogo entre la obra y el espectador. El arte de José María (Chema) Madoz es una continua experiencia del artista con cada uno de sus trabajos, un corpus de revelaciones, en ocasiones fantásticas y a menudo inexplicables: la luz, el agua, los arboles, las nubes, los objetos de medición o las notas musicales pueblan unas imágenes llenas de belleza y misterio, de desafíos y enigmas que el espectador se ve obligado a resolver.

A la obra de Madoz le caracterizan el uso sistemático del blanco y negro así como la ausencia de títulos en sus creaciones para dejar la imagen abierta a la libre interpretación, para, con una extrema limpieza y unos recursos mínimos, crear toda una imaginería de marcado carácter conceptual y con una vasta relación con el lenguaje poético: analogías, metáforas, sinestesias o metonimias visuales que exigen la colaboración activa del espectador tras haberle proporcionado el regalo de la sorpresa. Al igual que Joan Brossa (ya que ambos exploraron visiones paralelas el lo que al trato del objeto en lo que a sus creaciones se refiere), parte, como él, del objeto (casi ready-made duchampiano) para hacer que la idea lo supere al convertirlo en una paradoja de enorme potencia visual y poética. Es, la suya, alta literatura que alimenta sus fuentes de símbolos y reflexiones que acompañan al hombre a lo largo de su historia. Así la frágil armonía de sus objetos fuera de lugar, despojados de sus atributos o dotados de otros inesperados, nos hacen preguntarnos por qué esas geniales perversiones no se nos ocurrieron a nosotros antes.

Esta iniciativa es posible gracias el esfuerzo y el trabajo de investigación conjunto de dos instituciones de reconocida trayectoria en nuestra ciudad: Odalys Galería de Arte y la Fundación D.O.P., además, en estrecha colaboración con el artista. Está comisariada por Odalys Sánchez, autora también del texto que acompaña el catálogo y el equipo de Curaduría de Arte de la Fundación D.O.P. Incluso, cuenta con un video-entrevista cedido por el artista y la música de John Cage (cuya versatilidad de medios otorga límites tan amplios al objeto para la obra de arte como lo hace Madoz), que formarán parte de las exhibiciones.

Está conformada por una treintena de piezas de variados formatos, lo que permite una lectura coherente del trabajo del artista y dividida en dos partes para optimizar su percepción y permitir al espectador el tomarse el tiempo necesario para analizar y descifrar el enigma que encierra cada fotografía sin saturarse. Una de ellas se exhibe en los espacios de la Sala 2 de la Odalys Galería de Arte, ubicada en el Centro Comercial Concresa, Nivel PB, Local 115, Urb. Prados del Este y la otra tiene lugar en las Salas 2 y 3 de la Fundación D.O.P. ubicadas en avenida Principal de las Mercedes, Torre D.O.P. - Multicentro Las Mercedes (entre calles Monterrey y Mucuchíes), Caracas. La muestra puede ser visitada, en ambas sedes, hasta el domingo 04 de diciembre 2011 en los siguientes horarios:

-Odalys Galería de Arte de martes a sábado de 10:00 a.m. a 1:00 p.m. y de 2:00 p.m. a 6:00 p.m. Domingo y lunes cerrado.

-Fundación D.O.P. los martes y miércoles de 2:30 p.m. a 6:00 p.m., jueves a sábado de 2:30 p.m. a 7:00 p.m. y los domingos de 11:30 a.m. a 5:00 de la tarde. Lunes cerrado.

Todos quedan invitados, serán bienvenidos, la entrada es sin costo y ambas sedes cuentan con estacionamiento para su vehículo. Para mayor información ponemos a disposición nuestros portales en la red: www.odalys.com y www.fundaciondop.org donde encontrará información actualizada de esta exhibición y de las actividades relacionadas a ella.

Fuente:

www.odalys.com

www.fundaciondop.org

El Hermitage de Ámsterdam acoge a los maestros flamencos de la pintura.

Rubens y Van Dyck firman las obras de la Escuela de Amberes expuestas en la sucursal holandesa del museo ruso.

La hoy ciudad belga de Amberes fue en los siglos XVI y XVII el imán comercial y artístico de Flandes. Entre sus residentes ilustres figuraron Rubens y Anton van Dyck, que dieron cuerpo a la Escuela flamenca de la pintura. Hasta el próximo 16 de marzo éà&é, sus telas y dibujos, y también los de colegas como Jacob Jordaens, podrán verse en el Hermitage de Ámsterdam, la sucursal holandesa del museo ruso de San Petesburgo, que ha cedido un centenar de obras.

La colección de pintura flamenca ahora expuesta fue reunida por la legendaria Catalina la Grande. Su título no da rodeos: Rubens, Van Dyck y Jordaens, pintores flamencos en el Hermitage, 1500-1650. Lo primero que llama la atención es el enorme tamaño de los cuadros. Sobre todo los de Rubens, pintor apadrinado por estadistas poderosos como Felipe IV de España y Carlos I de Inglaterra. El pintor ejerció de diplomático entre las cortes europeas y tuvo un taller en Amberes. Allí, el trabajo se distribuía en tres categorías: las obras pintadas por él en su totalidad; cuadros donde solo el rostro y las manos retratados eran suyos; y las piezas que supervisaba al final. De ahí que se conserven cerca de 1.500 cuadros con su sello en el mundo.

Los 17 colgados en el Hermitage holandés evidencian su habilidad. Un Cristo con la corona de espinas (1612), salido solo de su pincel, y un Descendimiento de la Cruz (1618), ejecutado con ayuda de sus alumnos, tienen grandeza y delicadeza al mismo tiempo. Rubens era un católico ferviente, y la escena del Descendimiento era para el altar mayor de la catedral de Amberes. Tanto gustó la obra que luego se hicieron varias versiones en el taller. La que puede verse ahora es una de esas piezas. Rubens pintó la figura de Cristo y el rostro de la Virgen y dio el toque final. En la mitología también destacó, y en una ocasión, colaboró con otro flamenco famoso, Frans Snyders. La tela se titula La unión de la Tierra y el Agua (1618).

"Rubens tuvo un éxito enorme, y los encargos superaban su capacidad productora. Pero nunca ocultó su modo de trabajo a sus clientes", según Ernst Veen, director del Hermitage holandés. Es más, cuando la tela era toda suya, cobraba más por ella.

Entre sus alumnos, el más aventajado fue Anton van Dyck. El propio Rubens le ayudó a obtener contratos fuera de Flandes. Reconoció su valía, pero temió que pudiera hacerle sombra. Con el tiempo, Van Dyck fue nombrado primer pintor de corte en la Inglaterra de Carlos I. Especializado en retratos, la muestra incluye diez, imponentes en su severidad. Y es que donde Rubens pintaba sonrisas, Van Dyck dejaba un rastro contenido. Según los expertos, parecía analizar el personaje antes de pintarlo. Ello explicaría, tal vez, el recelo en las miradas de Nicolaas Rockox (1621) y de Sir Thomas Wharton (1639).

Entre los 75 cuadros y casi 20 dibujos expuestos en Ámsterdam hay joyas de Jacob Jordaens, otro grande entre los pintores flamencos. En su caso, dominan la alegría y vitalidad de los personajes, como en La fiesta de Cleopatra (1653). "Paradójicamente, Holanda no tiene tantos cuadros flamencos en sus museos como nosotros. Es un gozo haberlos traído", ha dicho Mikhail Piotrovsky, director del Hermitage ruso, al presentar la muestra.

GEGO - Gertud Goldschimdt

Gego (Gertrud Goldschmidt) fue una escultora venezolana, nacida en Hamburgo, Alemania en el año 1912.

Goldschmidt se graduó de Ingeniero, mención Arquitecto, en la Escuela Técnica de Stuttgart. En 1939, emigró a Venezuela, estableciendo su residencia en Caracas. En 1952 adquirió la nacionalidad venezolana y conoció a Gerd Leufert, diseñador gráfico y artista plástico, quien le motivó a iniciarse en las artes plásticas. En esa época Gego realizó sus primeras obras entre dibujos, acuarelas, monotipos y xilografías de carácter paisajista, figurativo y expresionista.

En 1957, comenzó a producir obras de carácter abstracto y simultáneamente, realizó experimentos en formas tridimensionales con papel, esperando convertir planos en volúmenes. En el año de 1954 participó en el XV Salón Oficial Anual de Arte Venezolano, siendo su primera exposición.

A partir del año de 1958 comenzó su labor docente en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo en la Universidad Central de Venezuela. Gego ejercció diferentes cargos docentes en importantes instituciones educativas de Venezuela, tales como la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas (1958 - 1959), Facultad de Arquitectura de la Universidad Central de Venezuela (1960 - 1967), y la Fundación Neumann – Ince (1964 – 1977).

En el año de 1959 viajó a los [[Estados Unidos]. En ese tiempo realizó esculturas en hierro, en las que plasmó la proyección de planos y líneas paralelas en superficies curvas. En 1960 su obra "Sphere", 1959 pasó a formar parte del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA).

Regresó a Venezuela en 1960, y al año siguiente fue organizada su primera gran muestra individual en el Museo de Bellas Artes de Caracas titulada "Dibujos recientes". En el año de 1962 realizó "Escultura para la sede del Banco Industrial de Venezuela", su primera gran obra de integración a la arquitectura, recibiendo su primer reconocimiento: el Primer Premio en la categoría de dibujo en la IV Exposición Nacional de Dibujo y Grabado. A partir de año 1964 comenzó a experimentar con el alambre de acero inoxidable en sustitución del hierro, lo que le permitiría plantearse obras ligeras y de generación más espontánea, enlaces flexibles y, también, a liberarse del empleo de herreros para la elaboración artesanal de su obras. En el año de 1966 viajó a Los Ángeles, Estados Unidos, invitada por el Tamarind Lithography Workshop y permaneció allí durante un año con una beca de Artist Fellow. En este lugar realizó lo que ha sido considerado como sus series más importantes de estampas.

Entre 1967 y 1969 realizó obras de integración a la arquitectura en compañía de Gerd Leufert, tales como la Torre y Mural del Centro Comercial Cedíaz (1967) y los Murales del la sede del Instituto de Cooperación Educativa (INCE) (1968 – 1969)

A partir del año 1969 se liberó del esquema de líneas paralelas y comenzó a diseñar dibujos con líneas entrecruzadas formando redes planas y moduladas. Los campos entre las líneas son de base triangular. De este sistema nació la obra Reticulárea, ambientación de mallas y redes, que fue instalada por primera vez en el Museo de Bellas Artes de Caracas. A finales de ese mismo año, Gego viajó a Nueva York donde instaló la Reticulárea en la Galería de Arte del Center for Inter American Relations.

En 1970 apareció la serie de obras llamadas chorros, con un sistema estructural vertical, suspendiendo desde lo alto acumulaciones de varillas de aluminio. En 1971 elaboró una serie de obras utilizando mallas y redes nuevamente, esta vez sustituyendo la base triangular por una cuadrada. Al año siguiente instaló la estructura ambiental Cuerdas para el Central Park.

En el año de 1974 comienzó a elaborar sus troncos, estructuras cilíndricas de mallas triangulares y base circular. En 1975 viajó a Laussane, Suiza, donde participó en la 7a Biennale Internationale de la Tapisserie con la pieza Reticulárea 75. En 1976 comenzó a producir las esferas para las que utiliza el mismo sistema de los troncos. A partir del año de 1976 inició su más extensa serie de obras tridimensionales, los dibujos sin papel, trazados en el aire con alambres y otros elementos, con los cuales se liberó de cualquier elemento constructivo preconcebido.

En 1977 se organizó en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas una importante exposición antológica de la obra de Gego, la cual generó el primer libro sobre la artista. En 1979 obtiene el Premio Nacional de Artes Plásticas de Venezuela.

En el año 1980 Gego se convirtió en miembro fundador del recién creado Taller de Artes Gráficas Asociadas (TAGA). En 1982 viajó a Fráncfort, Alemania, para participar en la muestra Spielarum – Raumspiele en la Alte Oper donde elabora e instala la ambientación "Reticulárea 82". En 1988 comenzó a desarrollar la serie Tejeduras, composiciones de tiras de papeles ilustradas que son entrelazadas sobre una superficie plana y, casi simultáneamente, la serie Bichitos, piezas tridimensionales de pequeño formato realizadas con materiales residuales. Gego murió en la ciudad de Caracas, Venezuela, en 1994.

Adiós a Richard Hamilton... Apagón en el "guateque" del pop art

Su obra investigó las transformaciones urbanas de la civilización occidental - Un 'collage' suyo de 1956 se adelantó al género que explotaría en los sesenta...

Con la muerte de Richard Hamilton en Londres, hoy 13 de septiembre de 2011, desaparece uno de los últimos grandes del arte. Viejo compañero de ruta junto a Andy Warhol en las filas del 'pop art', su legado se resumirá en la retrospectiva en la que trabajó hasta poco antes de morir y que recorrerá entre 2013 y 2014 Los Ángeles, Filadelfia, Londres y el Reina Sofía de Madrid.





Nacido en Londres en 1922, Richard Hamilton es una figura crucial del arte del siglo XX, en el segmento en el que esta centuria más ha incidido en la actualidad; esto es: en el pop art, sobre el cual todavía hay hoy discusiones académicas acerca de si es un invento británico o estadounidense, lo cual nos deja indiferentes. Todo el mundo, en cualquier caso, conoce la emblemática obra de Richard Hamilton titulada Pero ¿qué hace a los hogares de hoy tan diferentes, tan atractivos? (1956, collage 26x25 centímetros) donde en un apartamento de aspecto moderno observamos, tras unos amplios ventanales en el fondo que nos muestran una visión nocturna de la ciudad, un interior con un mobiliario más o menos exótico, en el que lo sorprendente es la presencia de un joven atlético que porta en su brazo derecho unas pesas, con el rótulo de Pop mientras en un sofá transversal una joven rubia también desnuda e igualmente bien dotada se mesa el cabello mirando hacia otra parte. Todo el ambiente está amenizado por un aparato reproductor de sonido que indudablemente alegraba el atardecer a estos jóvenes.

Es más que improbable que la realidad social británica todavía de posguerra se constituyera, en el ecuador de la década de 1950, en el modelo de desarrollo del capitalismo industrial, pero la imagen de Hamilton, hecha con collages fotográficos y con un dibujo sintético, no se puede negar que estaba en la vanguardia de lo que posteriormente divulgó el pop art americano a partir de la siguiente década de los años sesenta.

¿Cómo entonces este joven británico, cuyos estudios sobre arte se habían prolongado hasta 1951 por causa de la II Guerra Mundial, pudo convertirse en el heraldo de lo que ha constituido desde entonces hasta ahora la tendencia artística dominante, técnica y simbólicamente? La clave, sin duda, se debe, por un lado, al descubrimiento temprano de la obra de Marcel Duchamp y, por otro, a la lectura del libro Sobre el crecimiento de la forma, de D' Arcy Thompson, una combinación extraordinaria que pone en evidencia la dimensión conceptual y analítica del arte contemporáneo. La biografía artística de Richard Hamilton discurrió en los canales normales de una sociedad británica todavía provinciana pero que, entre 1952 y 1957, genera núcleos de incorformismo y experimentación, como el histórico de Independent Group, a través del cual se difunden las viñetas de los cómics y las nuevas estrategias de la publicidad de masas, junto a otros movimientos culturales que también revolucionan discretamente el hasta entonces conservador mundo teatral y cinematográfico de Gran Bretaña.

Después de unos inicios tan fulgurantes y espectaculares, la obra de Hamilton se sumergió en una investigación coherente, aunque más discreta, en la que este artista siguió explorando el mundo de los interiores domésticos y en general de la rápida transformación urbana de la civilización occidental. Es muy característica la serie significativamente titulada Interiores (1964-1979), en la que sigue con incorporaciones entremezcladas de elementos extraídos de la vía cotidiana y de la historia del arte. También tuvo un papel muy sobresaliente su intervención en una exposición que ha entrado en los hitos de lo que se puede considerar la vanguardia internacional de la segunda mitad del siglo XX: This is tomorrow tuvo lugar en 1956 en la Whitechapel Art Gallery, de Londres, en un barrio urbano marginal que desde entonces se ha convertido en un templo para la captación de las novedades artísticas.

Como suele ocurrir con el arte y los artistas de nuestra época, cuyo acelerado consumo hace que, al margen de su calidad, tengan una duración extraordinariamente limitada, Richard Hamilton después de la década efervescente del pop art de los sixties entró en un crepúsculo de invisibilidad, algo parecido al de las reliquias de los santos en las profundas capillas de cualquier iglesia; es decir: nadie que se preciara de conocer el arte de nuestra época dejaba de mirar al infinito con profundo respeto cuando se pronunciaba su nombre, pero con un aire ya un poco arqueológico. Sin embargo, no solo el talento, sino la extraordinaria vitalidad de este artista británico, al que era difícil jubilar, como le suele ocurrir a todos los grandes, hizo que Richard Hamilton se resituara constantemente en la batalla hasta, como quien dice, morir con las botas puestas. Un ejemplo muy a mano lo tenemos en el Museo del Prado, donde hace poco hizo una exposición en la que, en cierta manera, atravesó lo esencial del arte español enlazando Velázquez, Goya y Picasso con una reflexión sobre lo que había sido el desarrollo del arte moderno.

Fuente: El Pais-España

Thomas Ruff y Chema Madoz, Premios PHotoEspaña 2011

El Premio PHotoEspaña 2011 ha recaído en manos del fotógrafo alemán Thomas Ruff (Zell am Harmersbach, 1958) en "reconocimiento a una personalidad artística precisa y coherente que le ha valido reconocimiento mundial". Muy ligado en sus inicios a la Escuela de Düsseldorf y a sus maestros Bernd y Hilla Becher, Ruff ha trascendido a sus coetáneos desarrollando su obra en ámbitos temáticos diversos, utilizando el color como materia expresiva, adelantándose al retoque digital y destacando por su constante experimentación en torno a las propiedades de la fotografía.

El premio, un trofeo diseñado por Eduardo Arroyo, ha sido concedido con anterioridad a los fotógrafos Graciela Iturbide, Malick Sidibé, Martin Parr, Robert Frank, Hiroshi Sugimoto, William Klein, William Eggleston, Helena Almeida, Nan Goldin, Duane Michals, Chema Madoz, Luis González Palma y Josef Koudelka en reconocimiento a su importante papel en el medio fotográfico internacional.

Por su parte, el Premio Bartolomé Ros a la mejor trayectoria española en fotografía ha sido concedido a Chema Madoz. El jurado, formado por Rosa Ros, responsable del legado de Bartolomé Ros; Chema Conesa, fotógrafo y editor gráfico; Elena Hernando, directora de la Fundación Lázaro Galdiano; Rocío de la Villa, crítica de arte; y Alberto Anaut, presidente de PHotoEspaña, ha querido reconocer con este premio la "originalidad de su obra y la solidez en su trayectoria, con un lenguaje conceptual y enormemente sugerente".

El galardón, otorgado por el legado de Bartolomé Ros, reconoce la aportación de una personalidad española al desarrollo de la fotografía en cualquiera de sus campos, ya sea como comisario, autor, historiador, crítico o a través de cualquier otro vínculo directo con el medio. En otras ediciones han resultado premiados Chema Conesa, Isabel Muñoz, Ricard Terré, Javier Vallhonrat, Marta Gili, Alejandro Castellote, la librería Kowasa, Joan Fontcuberta, Alberto García-Alix, Juan Manuel Castro Prieto, Ramón Masats, Cristina García Rodero y Publio López Mondéjar.

El ganador del Premio Descubrimientos PHE al mejor porfolio ha sido el fotógrafo Fernando Brito (México, 1975) por el trabajo Tus pasos se perdieron con el paisaje. La serie premiada muestra fotografías de cadáveres y escenas de crímenes fruto de la violencia con la que se convive en multitud de zonas de México. Lo realmente perturbador de sus imágenes es su tratamiento limpio, sereno y distante. Su trabajo reflexiona y denuncia como la muerte se convierte en un elemento cotidiano que se integra en el paisaje mexicano. La serie intenta crear conciencia y reflexión sobre la situación de violencia de su pais.

El jurado del galardón ha estado integrado por Thomas Seelig, comisario de fotografía del Winterthur Fotomuseum de Zúrich; Edward Robinson, comisario de fotografía del Los Angeles Museum of Art, LACMA, y Enrico Bossan, director de Colors Magazine y comisario del New York Festival 2011.

El Premio PHotoEspaña OjodePez de Valores Humanos –que se concede a trabajos fotográficos que destaquen valores como la solidaridad, el esfuerzo, la ética o la justicia, está dotado con 3.000 euros y ofrece la posibilidad de participar en una exposición y la publicación de la serie ganadora en la revista OjodePez– ha recaído en el fotógrafo Jan Cága (República Checa, 1976) por su serie Swimmers with a disability (Nadadores con discapacidad), un trabajo que retrata a un grupo de discapacitados físicos en una piscina, un lugar excelente para sentirse libres, y recuerda que las aparentes limitaciones de los discapacitados no tienen por qué ser un impedimento para llevar una existencia plena.

El jurado del premio ha estado formado por Frédérique Babin, redactora y editora de fotografía de Le Monde Magazine; Caroline Hunter, editora gráfica de The Guardian Weekend Magazine; Nissan Pérez, comisario de fotografía del Museo de Israel, y Arianna Rinaldo, directora de la revista OjodePez.

La galería Helga de Alvear ha ganado el Premio Festival Off por la exposición de Isaac Julien Ten Thousand Waves. El premio es concedido a una de las galerías del Festival Off tras valorar el planteamiento de su exposición, el valor artístico de los autores y las obras expuestas, así como el esfuerzo de la galería por presentar un proyecto específico para PHotoEspaña 2011. El jurado del premio ha estado compuesto por José María Díaz-Maroto, comisario y conservador de la Colección Alcobendas de Madrid, Jaime Sordo González, coleccionista, y Pascal Beausse, comisario de fotografía del Centre National des Arts Plastiques de París.

La nueva videoinstalación de Isaac Julien (Reino Unido, 1960) se rodó en China y contó con la participación de Maggie Cheung y Yang Fudong. La obra establece una relación poética entre el pasado y el presente, entre la leyenda y la realidad, entre la China milenaria y las ciudades en crecimiento constante de la actualidad, para aproximarse a los movimientos migratorios en el mundo y meditar sobre el mundo en permanente cambio en el que vivimos.

El Premio al mejor libro de fotografía del año convoca a editores independientes y editoriales a presentar sus libros de fotografía publicados en el último año. Un jurado compuesto por Pep Carrió, diseñador gráfico; Frits Gierstberg, director de exposiciones del Netherlands Museum de Rotterdam; y Kasahara Michiko, comisaria del Tokyo Metropolitan Museum of Photography, han reconocido como Mejor libro de fotografía del año en categoría nacional a: Europa, de Bernard Plossu, coeditado por Fundación Santander 2016 en colaboración con La Fábrica Editorial.

Europa revisa el inmenso achivo de imágenes captadas por Bernard Plossu (1945, Vietnam) durante sus viajes por todo el Viejo Continente en sus últimas cuatro décadas. Una mirada lúcida e inesperada a los rincones inadvertidos de la realidad europea a través de 248 fotografías en blanco y negro. El libro recoge imágenes poéticas en las que el autor, un viajero incansable, nos hacen experimentar sus propias vivencias, constituyendo retales de vida que comprime el espacio, el tiempo y la memoria en forma de instantáneas. Son imágenes del día a día tomadas desde la fugacidad del autobús o el tren, deambulando por las calles de países como España, Francia, Portugal, Italia, Alemania o Bélgica, que reflejan la forma de entender el mundo de este fotógrafo Premio Nacional de Fotografía en Francia y al que el Pompidou de París y el IVAM de Valencia han dedicado grandes retrospectivas.

El jurado ha concedido además una mención especial a Ukraina Pasport, de Federico Clavarino, coedición publicada por Fiestas Ediciones y la Kursala de la Universidad de Cádiz.

El Premio al Mejor libro de fotografía del año en categoría internacional ha sido otorgado a Destroy this Memory, de Richard Misrach, editado por la Aperture Foundation (EE.UU.).

Destroy this Memory, de Richard Misrach, es un efectivo recuerdo del impacto físico y psicológico que causó el huracán Katrina. En lugar de limitarse a inspeccionar los daños materiales causados, Misrach –que ha fotografiado esta región desde la década de 1970, sobre todo por su proyecto en curso El Callejón del Cáncer– se vio atraído por el grafiti inspirado por el huracán: mensajes en las paredes realizados con espray, crayones, tizas o cualquier material que llegaba a sus manos. A veces amenazantes, desesperadas, y con tintes de humor negro, las frases capturadas por Misrach –el único texto que aparece en el libro– ofrecen perspectivas humanas únicas y reveladoras sobre la devastación y las secuelas que dejó tras de sí este desastre. El libro recoge imágenes inéditas tomadas entre octubre y diciembre de 2005 con una cámara compacta, cuyas ganancias en calidad de derechos de autor han sido donadas por el artista a la Fundación Make It Right, que en la actualidad está reconstruyendo el Lower Ninth Ward de Nueva Orleans.

El Premio a la Editorial destacada del año ha sido otorgado a Nobody (Reino Unido) en reconocimiento por las publicaciones B Side, de Stephen Gill y Coming Up For Air, de Stephen Gill.

Fuente: ArteHoy