viernes, 28 de octubre de 2011

Por primera vez en Venezuela se presenta la obra del artista Robert Longo y será en la Fundación D.O.P. en su sede de Caracas






Del 30 de octubre al 11 de diciembre de 2011, en las concurridas instalaciones de la Fundación D.O.P. en su sede d Caracas ubicada en la Urb. Las Mercedes, se desarrollará la exposición del creador estadounidense Robert Longo, con una serie de obras del artista galardonado con el importante premio Goslar Kaiserring, premio otorgado sólo a los más destacados exponentes del arte moderno y contemporáneo, entre los que destacan, además de Longo: Bridget Riley, Alexander Calder, Henry Moore, Victor Vasarely, Cy Twombly, Willem de Kooning y Cindy Sherman, entre otros.

A pesar de ser ampliamente reconocido a nivel global y de mantener una marcada presencia en la escena internacional, es la primera oportunidad de apreciar la obra de este creador en Venezuela. La exhibición Robert Longo - A short fiction es posible gracias el esfuerzo y el trabajo de investigación del equipo de Curaduría de Arte de la Fundación D.O.P., institución que desde hace ya algún tiempo se ha dedicado de lleno a la promoción del arte moderno y contemporáneo internacional, con marcado énfasis en la fotografía y el video.

El artista Robert Longo pertenece al grupo Pictures Generation que irrumpió en la escena neoyorquina de finales de los setenta, entonces dominada por el Minimal y el arte conceptual, junto a los primeros video artistas que el New Museum de Nueva York casi ininterrumpidamente exhibían, entonces cerca de Union Square. Estos chicos cool, aparecían como un grupo radical precisamente por volver algunos a la pintura y todos a la imagen figurativa. Combinaban elementos del Pop, el interés por la semántica del conceptualismo, relacionando su trabajo con el consumismo, la ideología política y el género. Una mezcla de creación con cultura mediática, en la línea que inició Andy Warhol.

El escultor, pintor, fotógrafo y otrora –aunque por un efímero lapso- director de cine hizo su debut como cineasta a comienzos de los noventa en una complicada película de ficción y aunque su celebridad en el mundo artístico de Nueva York denotaba en ese entonces (y ahora aun más) un sólido talento visual, no logró una afortunada transición al entorno narrativo del cine, razón por la que decidió no continuar experimentando en el llamado séptimo arte.

Para no abandonar este trabajo y dado lo apasionante que le pareció la temática, Longo decidió adaptar la trama de la película a su característica técnica de trabajo, sustituyendo las fotografías (con las que suele comenzar su proceso creativo habitual) por tomas congeladas o frozen frames de la cinta original, procesándolas a su muy particular manera para finalmente convertirlas en un conjunto de Photo Polymer Gravures que de manera secuencial nos relatan la historia de la película desde su muy particular punto de vista; esta visión es la que se presenta en la exhibición Robert Longo – A short fiction y es la manera que encontró Longo para hacer un complemento y un homenaje a las novelas de su gran amigo William Ford Gibson, quien puso de moda en los noventa el tema cibernético. Hoy en día esta serie de fotograbados basados en una vista distópica de un futuro con el mundo dominado por las megacorporaciones y con fuertes influencias de Asia oriental, son considerados extraordinarios en la obra de Longo.

En palabras del artista: “El dibujar a partir de fotografías es una manera de reclamar las imágenes que nos pertenecen”. Lo más bello de este proceso propio del creador es la ironía de convertir estas imágenes reales nuevamente en fotograbados contentivos de la misma aparente realidad que, ahora manipulada por él, hace de ella su realidad personal para posteriormente compartirlas y permitir la comparación masiva con cada realidad, la particular de cada espectador.

La exhibición se lleva a cabo en la Sala 1, ubicada en el piso 2 de la Fundación D.O.P., en la avenida Principal de las Mercedes, Torre D.O.P. - Multicentro Las Mercedes (entre calles Monterrey y Mucuchíes), Caracas. La muestra puede ser vista, hasta el domingo 11 de diciembre 2011 en los siguientes horarios, válidos también para visitar otras muestras que se llevan a cabo en las otras salas de la institución: los martes y miércoles de 2:30 p.m. a 6:00 p.m., jueves a sábado de 2:30 p.m. a 7:00 p.m. y los domingos de 11:30 a.m. a 5:00 de la tarde. Lunes cerrado.

Todos están invitados, la entrada es sin costo y la sede cuenta con estacionamiento para su vehículo y fácil acceso si se desplaza haciendo uso del transporte público. Para mayores detalles se encuentra a disposición el portal en la red: www.fundaciondop.org donde se haya información actualizada de esta exhibición, otras exposiciones en curso y futuros eventos de la Institución y de las actividades relacionadas a estas.



Fuente: Dpto. de Prenda Fundación D.O.P.


miércoles, 26 de octubre de 2011

Este domingo Opening Brunch en Fundación D.O.P. presentando Robert Longo - A short fiction







Opening brunch: Domingo 30 de octubre de 2011

Hora: 11:30 a.m. a 3:30 p.m.

Sala 1 (Piso 2)


Exposición: 30 de octubre al 11 de diciembre de 2011




Fundación D.O.P.

Urb. Las Mercedes, Av. Principal,

Torre D.O.P - Multicentro Las Mercedes,

Caracas, Edo. Miranda, 1061, Venezuela

Teléfonos: (+ 58-212) 326 0226 / (+ 58-212) 326 0227

Fax: (+ 58-212) 993 9590

E-mail: info@fundaciondop.org

www.fundaciondop.org (Español)

www.dopfoundation.org (English)


Fuente: Carol Levy


viernes, 21 de octubre de 2011

Roberto Mata Taller de Fotografía presenta: El archivo fotográfico de Thea Segall



El archivo fotográfico de Thea Segall

Encuentro con Sagrario Berti y Aixa Sánchez

La investigación que están desarrollando las curadoras Sagrario Berti y Aixa Sánchez sobre el archivo fotográfico de Thea Segall será el tema a tratar durante la charla programada para el martes 1 de noviembre a las 8:00 de la noche en los espacios de Roberto Mata Taller de Fotografía, dirigida a estudiantes de fotografía, coleccionistas e interesados en la cultura visual venezolana contemporánea

Desde hace varios meses, las curadoras e investigadoras Sagrario Berti y Aixa Sánchez vienen desarrollando un trabajo de recopilación y exploración en el taller-laboratorio de la fotógrafa Thea Segall (1929 - 2009). Durante el encuentro que realizarán en los espacios de RMTF, analizarán la figura de Segall como fotógrafa y editora de libros ilustrados con imágenes y expondrán su archivo fotográfico; asimismo, tocarán temas como la fotografía antropológica, la arquitectura indígena, popular, el paisaje venezolano, el retrato de estudio y la industria.

Segall se hizo fotógrafa a los 17 años de edad. Como foto-reportera de una agencia internacional, retrató guerras y revoluciones en los años sesenta. También convivió con las comunidades indígenas del Alto Ventuari y exploró las salinas de Araya y las minas de oro; prácticamente, recorrió el país con su cámara. Aunque nació en Rumania, la fotógrafa siempre se consideró venezolana.

La investigadora Lisa Blackmore, quien estará moderando la charla, considera que ésta es una oportunidad imperdible para revisar el trabajo de la fotógrafa y conocer la labor de las curadoras. “Berti y Sánchez han realizado un estudio meticuloso de Segall no a partir de fuentes bibliográficas existentes, sino a partir de las fuentes más inmediatas: su archivo y sus fotografías. En este sentido, pueden brindar una mirada muy íntima y una aproximación privilegiada a los que asistan a este encuentro que, además, busca promover el conocimiento de actores locales del campo fotográfico y fortalecer nuestra memoria compartida”.

El encuentro con Sagrario Berti y Aixa Sánchez también será transmitido en vivo a través de Internet, en colaboración con Tráfico Visual (www.livestream.com/traficovisual), con la intención de que la noche del martes primero de noviembre las investigadoras interactúen con los asistentes físicos y virtuales. La entrada al encuentro es libre.

Sagrario Berti es licenciada en Artes (UCV), especializada en Registro, conservación y archivo de imágenes fotográficas (Museo Internacional de la Fotografía y el Cine, George Eastman House, USA), con maestría en Historia del arte: Europa, Asia y América (Universidad de Sussex, Inglaterra). Se desempeña como historiadora de fotografía, curadora e investigadora de la cultura visual contemporánea.

Aixa Sánchez es licenciada en Comunicación Social (UCAB) con estudios de Museología; cursa actualmente la Maestría de Estudios Literarios de la UCV. Fue Jefe de Redacción de la revista ESTILO y miembro del Consejo Editorial de la revista Extracámara. Se ha desempeñado como gestora e investigadora de artes visuales y, actualmente, es Directora Asociada de Oficina #1.

Roberto Mata Taller de Fotografía es una escuela que pretende recrear un ambiente en el cual los alumnos armonicen el reto que supone la concepción de una imagen y el apoyo mismo que implique obtenerla. Asimismo, es un espacio que se dedica a promover e intercambiar ideas sobre todo lo que se refiere al hecho fotográfico. Desde sus inicios –en agosto de 1993- ha atendido más de 2000 alumnos, muchos de los cuales se mantienen vinculados activamente al Taller y a la fotografía.

El archivo fotográfico de Thea Segall - Encuentro con Sagrario Berti y Aixa Sánchez

Fecha: martes 1 de noviembre de 2011

Hora: 8:00 PM

Entrada libre

Lugar: Roberto Mata Taller de Fotografía, Av. Trieste con Av. Madrid, La California Sur (www.robertomata.net)


Fuente: Roberto Mata Taller de Fotografía



jueves, 20 de octubre de 2011

Poéticas de la Mirada (por Lorena González)





En la experiencia cotidiana de la aproximación, algunas circunstancias a veces nos sobrepasan.

Elementos en desorden, caos repentino, sucesión imparable de acontecimientos felices o desventurados que alteran el curso de una estabilidad con la que nos sentimos sosegados, conformes y seguros. Este hilo desconcertante de cambios viene por lo general a recordarnos que en las vetas de la rutina también respira el devenir fortuito de las infinitas posibilidades con las cuales puede culminar un día, una hora, una vida. En ocasiones ese flujo se levanta desde los peldaños ocultos de nuestra rectitud para remover los estatutos y sacudir con estruendo las bases, trastocando equilibrios y certezas... balanza tramposa, destino aleatorio, sabiduría indescifrable ante la que tan sólo resta entregarse sin preguntar.

En el transcurso a veces doloroso de estas tempestades causales, ciertos despuntes se asoman para ayudarnos a mirar mejor, suaves y contundentes metáforas que surgen en medio del aturdimiento. Allí, en ese instante de captura, el cruce de determinados elementos enciende las sombras del pasaje y la multiplicación del sentido nos libera del agobio. Algo sucede y trasciende, algo se desplaza y se detiene más allá de todo, relámpago dilatado que está en cualquier parte y en ninguna, suspensión inmaterial, armonía profunda de los elementos, enlace inédito de contracorrientes: imagen.

Dos exposiciones actuales en zonas extrañamente equidistantes de la ciudad de Caracas me han sumergido en estas deliberaciones.



La primera muestra es la retrospectiva que con el nombre Metamorfosis del pensamiento presenta Odalys Galería de Arte y la sala expositiva de la Fundación D. O. P., espacios que reúnen un importante conjunto fotográfico de Chema Madoz, creador español de reconocida trayectoria. La segunda, es la individual Piñatería: mirar es gratis del fotógrafo venezolano Iván González, exhibición que se presenta desde mediados del mes de septiembre en el hotel Paseo Las Mercedes.



Para llegar a ellas hay que transitar inusitadas rutas.

En el caso de Madoz destaca el manejo equilibrado y sutil de las unidades discursivas de la fotografía, delicado y agudo ensamblaje objetual en el que las siluetas de lo cotidiano detonan para reinventar sus propias narrativas. Con una poderosa maestría técnica el artista borra y vuelve a vincular las cualidades intrínsecas de los objetos que captura, artesanías de un sinsentido, realización discontinua de imposibles aparentes que sacuden nuestra percepción del mundo. Para González es la variabilidad cromática del azar el centro de acción.

Desprendido de la profesionalidad técnica de la que es un gran especialista, se aferró a la volatilidad de su iPod Touch para aprehender en baja resolución lo mudable. El desenlace son encuentros múltiples en los que secciones y componentes inconexos del día a día se ven repentinamente convocados, desvaneciendo con esta confabulación visual la frecuencia ordinaria de sus contextos y funciones originales.



A través de medios y estrategias distintas la fotografía se desprende en ambas situaciones de su ser primordial, pues lo fundamental aquí son las peripecias de la mirada no para fijar la realidad, sino para cuestionarla y hacerla estallar. A los tres lugares accedí en medio del barullo de las condiciones urbanas: pasadizos, hoteles, multitudes, centros comerciales, escaleras mecánicas y estacionamientos repletos. Como un guiño secreto estas imágenes estaban allí, recordándome con su fuerza vinculante esa esencia persistente y siempre incierta de lo fijo y lo versátil, lo confuso y lo sistémico, lo visible y lo aparente, lo inexplicable.


Fuente: El Nacional. Caracas, Venezuela.


Patricia Phelps de Cisneros: “La próxima década será de Latinoamérica”


Una charla de apenas media hora con Patricia Phelps de Cisneros es suficiente para darte cuenta de que no es una coleccionista más. Es una de las mecenas más importantes del mundo, en la concepción más renacentista de la palabra. Para ella, coleccionar no es sinónimo de posesión, no lo entiende como una mera acumulación de obras, sino como una responsabilidad, un deber, que se toma muy en serio. Una forma muy generosa de concebirlo. Es la esposa del empresario venezolano Gustavo Cisneros, uno de los hombres más poderosos de Latinoamérica. En la última lista «Forbes» de los más ricos del mundo aparecía en el puesto 254, con una fortuna que ronda los 4.200 millones de dólares. Y hablando de listas, la revista «Art Review» hacía ayer pública la de las cien personas más influyentes del mundo del arte contemporáneo, y Patricia Phelps de Cisneros aparece en el número 25 (en 2010 estaba en el 40). Un premio al trabajo bien hecho. Ella prefiere verlo como «un gran triunfo para los artistas latinoamericanos. Si no valieran la pena, yo no estaría en esa lista».

Ha viajado a Madrid, donde ayer pronunció una conferencia en Caixa Forum, invitada por la Fundación Arte y Mecenazgo, impulsada por la Obra Social «la Caixa». Junto con su marido cre en los setenta la Fundación Cisneros —que preside hoy su hija Adriana—. Parte de ella es la colección Patricia Phelps de Cisneros, privada pero con vocación pública. Pocas colecciones tienen una función tan marcadamente educativa. «Mi marido y yo siempre hemos pensado que es a través de la educación como queríamos colaborar para que Latinoamérica salga de los perfiles de pobreza que ha tenido».

Comenzó a coleccionar hace 30 años. Pero recuerda que no fue algo pensado: «Cuando nos dimos cuenta de que habíamos amasado obras importantes comprendimos que teníamos una responsabilidad. Siempre nos hemos sentido custodios de estas obras y nuestra obligación es cuidarlas. De ahí la vocación pública de la colección. Coleccionar es divertido, pero lo importante es archivar la colección, estudiarla y darla a conocer». Su deseo, que «el coleccionismo sea una acción social». La suya es una colección de colecciones. Agrupa arte moderno, contemporáneo, de artistas viajeros, colonial y Orinoco. De esta última se siente muy satisfecha: «Fueron treinta años de expediciones por el Amazonas, visitando las comunidades indígenas, con un profundo respeto hacia su cultura. Los admiro muchísimo. Esa colección hoy tiene más de 1.400 piezas. Lleva diez años viajando por Europa y la han visto ya más de siete millones de personas».

¿Nunca tuvo la tentación de crear un museo? «No, porque creemos que podemos ser más útiles de esta manera. Hoy tenemos 700 piezas viajando por el mundo. Además, no quiero quitarle mérito al museo de mi comunidad. Y tener un museo particular es echarle una buena broma a tus herederos (bromea)». Elude hablar de política, pero sí comenta que «Venezuela está pasando por un momento díficil. Pese a ello, hay un movimiento artístico bastante fértil en el país». Hay tres personas con las que dice estar en deuda: «Mi marido, que me apoya tanto y me ha dado una visión universal, no nacionalista, para la colección; mi bisabuelo, un gran ornitólogo y coleccionista, que me enseñó el rigor y lo importante de conservar y cuidar; y Sofía Imbert (fundadora del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas), mi mentora, que me abrió los ojos al arte».

El arte latinoamericano tiene muchísimo que agradecerle a Patricia Phelps de Cisneros. Gracias a su labor en tribunas como el MoMA y la Tate, estos museos cuentan con comités especializados, consejos de adquisiciones para América Latina... «Estamos muy orgullosos de nuestra herencia cultural iberoamericana. Ha sido una pasión. Nuestra meta: que el resto del mundo nos conozca y reconozca por la grandeza que somos. Todo lo que podamos hacer para tender esos puentes y empujar por nuestra cultura lo hacemos con gusto porque creemos en ella». ¿No falta aún mucho por hacer? «Lo importante es que ahora el arte latinoamericano está en la conciencia del colectivo. Mi esposo y yo pensamos que la próxima década será la de Latinoamérica. En todo». Pero quedan estereotipos... «Sí, pero se están rompiendo. Había una idea de que el arte latinoamericano tenía que ser la mujer sufrida, con muchos colores... a lo Frida Kahlo. Hoy ha cambiado».

Fuente: ABC España

Galería 39: De acciones, Visiones y Reacciones - Arte jóven venezolano


Después de su reconocida presencia en la pasada XX Feria de ArteIberoamericana de Arte (FIA), la Galería 39 continúa su ciclo expositivodedicado a la divulgación de los lenguajes artísticos contemporáneos.

En esta ocasión nos ofrece la muestra, DeAcciones, Visiones y Reacciones – Arte Joven Venezolano I, bajo la curaduría dePedro Terán, donde se aprecia unconjunto de talentos emergentes que a través de una variedad de medios e ideasmuestran reacciones críticas frente a la realidad, configurando imágenes de unaescurridiza y compleja actualidad. El grupo de expositores lo integran: ValeriaCastillo, Gabriela Ceballos, Gala Garrido, Abhner Leal, Leonardo Nieves,Cristóbal Ochoa, Érika Ordosgoitti, José Luis Orozco y Gerardo Rojas.

Son los nuevos nombres que a partir de estedomingo 9 de octubre, nos confrontaráncon sus impactantes y novedosas propuestas en la Galería 39 de 11am a 3pm.Dirección: Calle Bolívar con calle Instrucción, No. 37, Quinta La Casona, ElHatillo. Para mayor información, favor comunicarse al (212) 9610023 o LuisaElena Sánchez 0416–4209327.

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Calle Bolívar con Calle Instrucción. Quinta La Casona. No. 37. El Hatillo.

Teléfono: 9610023. Fax: 9613692. 39galeria@gmail.com

http://www.39galeria.blogspot.com/

Horario:

Martes a viernes - 11am - 1pm / 2pm - 7pm

Sábados y domingos - 11am - 3pm

Fuente: Luisa Elena Sánchez

Taller Roberto Mata: Salvatore Elefante


Salvatore Elefante estará realizando una serie de actividades, a partir del 26 de octubre, en los espacios de Roberto Mata Taller de Fotografía; el joven fotógrafo italiano es el sexto invitado de Proyecto Trocadero

En la sociedad actual se han establecido múltiples diálogos que han reconstruido el Yo, a partir de la mediación tecnológica. Desde hace algún tiempo, Salvatore Elefante ha estado desarrollando un análisis visual sobre el tema, y éste es el origen de la muestra Flow and Deformation, un acercamiento multifacético al tema de la identidad: el cuerpo como elemento fundamental para nuestra propia definición; la vestimenta, el espacio y la intención de representación como testigos simbólicos; la identidad como confrontación y continua mutación.

“Damos por hecho que existe algo que podemos llamar ‘identidad propia’ que, en un mundo que muda rápidamente, tiene la ventaja de permanecer inalterable, un punto fijo en un mundo mutante. Es exactamente ésta la última garantía que la identidad parece darnos. Y aunque reconocemos que nuestras identidades han ido cambiado con el tiempo, tenemos la esperanza o la nostalgia que lo hacen con tiempos geológicos”, dice el joven fotógrafo sobre el trabajo que expondrá en los espacios de Roberto Mata Taller de Fotografía, a partir del miércoles 26 de octubre.

Las actividades con Elefante continúan el jueves 27 de octubre, cuando conversará sobre Identidades: seducción y confusión. El acercamiento a la identidad puede darse a partir de la psicología narrativa, de la psicología social o de la psicología cultural. Y “ciertamente todas las posibilidades son válidas, pero al final se deben confrontar con un simple hecho: muchos son los que han intentado definir la identidad y nadie lo ha conseguido completamente. La identidad seduce, pero también confunde”, afirma el fotógrafo.

Los retratos “no-identidad” de Thomas Struth, la representación de los grupos sociales de Freger, el cliché de Cindy Sherman y la experiencia de Nancy Burson, son algunos de los trabajos que se revisarán durante la charla. En este acercamiento artístico a la identidad, también se hablará de lo complejo de realizar un proyecto sobre un tema tan amplio, de la fragilidad y del miedo del autor a la hora de tomar una posición y de los métodos de investigación.

Cuestionar el objetivo es el título del taller intensivo que ofrecerá Salvatore, entre el 28 y el 30 de octubre, en el cual abordará los temas de la fotografía documental en un contexto contemporáneo, que bien podría llamarse “nuevo documentalismo”. El objetivo principal de este workshop es contribuir a que los participantes construyan una visión general sobre su metodología de trabajo y sus puntos fuertes expresivos.

A partir de la proyección de imágenes y trabajos de varios autores Se debatirá sobre puntos como los confines entre arte y documento, la construcción de un aparato crítico sólido, conceptos esenciales en el desarrollo de un proyecto fotográfico, cómo identificar temas y sus implicaciones. Además, cada participante deberá presentar trabajos o proyectos en proceso de gestación.

Salvatore Elefante (Italia, 1980) es licenciado en Fotografía por el IDEP de Barcelona, con Máster en University of Art and Design de Helsinki. Ha realizado exposiciones en Marruecos, Monterrey, Pekín, Paris, Nueva York, Nápoles, Lausana y Barcelona, entre otras ciudades. Es autor de las publicaciones reGeneration2 – Photographers of tomorrow, today (2010), Catalogue of Emergent Lleida - Photography and Visual Arts International Festival (2010) y Grano. Studio multimediale sulla Festa dei Covoni di Frigento (2008).Su trabajo forma parte de las colecciones de Musée de l’Elysée (Lausana, Suiza), Michaelis School of Fine Arts (Cape Town, EEUU) y Aperture Foundation (Nueva York, EEUU).

El joven fotógrafo italiano es el sexto invitado de Proyecto Trocadero, iniciativa emprendida por el fotógrafo Carlos De Castro y RMTF con el interés de ofrecer a la comunidad venezolana la oportunidad de intercambiar experiencias y conocimientos con relevantes figuras de prestigio mundial. A lo largo de todo el año, fotógrafos internacionales han visitado la escuela para ofrecer una semana intensiva, a través de la dinámica Expo + Charla + Taller, sin embargo, la idea es que, a corto plazo, Trocadero también sirva como plataforma a fotógrafos locales y realicen la misma dinámica fuera de nuestras fronteras. Claudio Napolitano (Venezuela), Nico Baumgarten (Alemania), Kevin German (EEUU), Luca Pagliari (Italia) y Henry Horenstein (EEUU) han sido invitados de este proyecto.

Salvatore Elefante – Expo + Charla + Taller

Exposición: Flow and Deformation - Del 26 de octubre al 19 de noviembre– ENTRADA LIBRE

Charla: Identidades: seducción y confusión - Jueves 27 de octubre, 8:00pm –ENTRADA LIBRE

Taller: Cuestionar el objetivo - Del 28 al 30 de octubre – INSCRIPCIONES: (212) 257.9745

Lugar: Roberto Mata Taller de Fotografía, Av. Trieste con Av. Madrid, La California Sur

+Info: www.proyectotrocadero.com

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Fuente: Mílitza Zúpan

martes, 18 de octubre de 2011

Jaime Castro inaugura muestra individual este jueves en La Estancia


(NOTA DE PRENSA)

Jaime Castro – Video Arte

Escenografía de un mundo fabulado

Con la muestra, Jaime Castro – Video Arte. Escenografía de un mundo fabulado, PDVSA La Estancia acoge en sus espacios, por primera vez, una propuesta contemporánea como lo es el videoarte, abriendo un compás en lo que ha sido sus preocupaciones expositivas, aspecto que anuncia el interés de la institución de apoyar al arte actual y a los jóvenes creadores.

La obra de Jaime Castro parte de su sólida formación como escultor, su notable y persistente interés por el tema del paisaje, su inquietud por estudiar la evolución histórica de este motivo dentro de la pintura, además de su curiosidad por abordar las múltiples y variadas formas de su representación a través del tiempo. Estos factores, que caracterizan la propuesta del artista, son asumidos, manipulados y trasladados a los nuevos soportes y formatos comunicacionales de la tecnología digital y del video actual, sin deslastrarse de su trayectoria como escultor. En este sentido, el artista ha manifestado: “La manera como enfrento el acto creador está marcada por la forma de pensar de un escultor, que adiciona cosas al momento de construir imágenes. Eso ha sido así a raíz de mi formación y ha quedado como una impronta que he utilizado a lo largo del tiempo” (Castro, entrevista, 2011).


Jaime Castro. Foto cortesía del artista


Ante lo señalado, para Nany Goncalves (2008): “… el trabajo de Jaime Castro describe un recorrido que lo lleva de las instalaciones a los objetos instalativos y a la video instalación. A partir de estos medios desarrolla un discurso que tiene como constante la espacialidad y la experiencia”. En todo caso, como señala Goncalves (2008): “La propuesta de Jaime Castro parte precisamente de un acercamiento a la tradición pictórica del paisaje a través de la revisión de autores clásicos, modernos y contemporáneos, entre los que destacan Gaspar David Friedrich y Bruegel El Viejo, del romanticismo europeo; Manuel Cabré y Pedro Ángel González, del Círculo de Bellas Artes y la Escuela de Caracas; Tarsila do Amaral y Leda Catunda, de Brasil”.

Jaime Castro ha transitado, en su arduo proceso creador, los caminos de la instalación, la fotografía y el video, para enfrentar una particular noción del paisaje, tanto natural como urbano, hasta dar con determinados procesos que le han hecho comentar al investigador y curador William Niño Araque (2007), lo siguiente: “Como muy pocos creadores de la primera generación de videoartistas del siglo XXI, Jaime Castro mezcla planos, rotundamente reales para generar un universo análogo, que existe en la memoria de la pura visibilidad”.

En su trabajo, Castro aborda con ímpetu la idea de comunicar una sensibilidad y una experiencia personal ligada a la noción de paisaje interior que se inscribe “en la reflexión actual de la cultura audiovisual, la exploración digital, el pensamiento tecnológico y la autorreferencialidad” (Goncalves, 2008), aspectos que no admite posturas ingenuas, complacientes o manipuladoras sobre el tema señalado. En este sentido, con la video instalación creada para la sala de exhibición, el artista expresa su necesidad de cartografiar una particular experiencia, con la intención de “escenografiar sus vivencias”, desde su condición de inquieto viajero.

La conjunción de ideas, prácticas y conceptos como fragmentación, serialización, segmentación, simultaneidad, secuencia, alteración temporal; la noción de ventana, cuadrícula o retícula, la reiteración e interrupción, el cambio de dirección y el problema del paso del tiempo, constituyen factores que enriquecen la lectura del motivo paisajístico en Jaime Castro, hasta llevarlo a niveles que sugieren la noción de realidad virtual, como escenografía que recompone e interviene su objeto de estudio, para propiciar la comunicación de un paisaje otro, que sólo puede interpretarse a través de la recodificación que de éste realizan, tanto el creador como sus interlocutores, en el acto de la contemplación activa.

De este modo, parte de los procedimientos aplicados por el creador consisten en “conformar ventanas” que, al ser acopladas en un todo de manera reticular, dan forma a algo más que el resultado de la suma de cada realidad particular captada y transmitida. Este procedimiento emula el estilo del mosaico, además de acercarse al “principio collage”, lo que le permite trasvasar sus preocupaciones tridimensionales al plano bidimensional, a través de la noción de imagen en movimiento, captada desde el medio audiovisual; aspectos con los que problematiza su particular interés por el tema de la pintura paisajista.

La relación entre lo natural y lo artificial y las mediaciones culturales que la determinan constituyen en la presente muestra un sugerente tema o motivo con que Castro impulsa su propuesta actual. En este sentido, su video-ambientación comporta un inventario, selección o catalogación personal, que registra una experiencia de mundo para propiciar su interpretación.

Entre las imágenes que presenta el artista, destacan diversos acercamientos al paisaje urbano, como aquellas que refieren a la noción de un guetto (San Agustín del Sur), físicamente separado del resto de la metrópolis de la capital venezolana, por intermediación de un río emblemático que cruza el valle de Caracas (El Guaire); guetto recuperado e involucrado con el mismo, por la puesta en uso de un sistema de transporte masivo que lo dignifica (El Metrocable). En otras imágenes, Castro centra su atención en diversos planos que le permiten comunicar otra visión de la ciudad nombrada; al asumir un punto de referencia diferente, que ha manipulado y alterado, partiendo de las posibilidades del lenguaje audiovisual, para comentar su íntima y emotiva relación con respecto a la topografía que identifica un sector emblemático de la ciudad capital de Venezuela. El problema del paisaje urbano, como espacio escenografíado, es completado por imágenes que muestran la idea de “ciudades fantásticas” (Hong Kong y Shangai), y todo el extremo desarrollo tecnológico que las identifica.

Siguiendo con el acercamiento al paisaje, esta vez el natural, el artista nos muestra el itinerario de un viaje realizado a una población del estado Aragua (Choroní). De este emblemático paisaje venezolano, Castro se decide por el movimiento vertiginoso que capta con su cámara, ante la espesura tropical de un territorio montañoso y casi virgen, a través del desplazamiento que realiza sobre un vehículo en marcha. Por otra parte, el autor ha querido mostrarnos “paisajes extremos” y topografías singulares caracterizadas por su condición climático-ambiental, tales como: los geyser, desiertos, glaciares y el deshielo que actualmente ocurre en determinadas zonas polares, por intermedio de imágenes captadas a raíz de un viaje realizado a Chile.

A raíz de este acercamiento, se entiende que el discurso del artista, madurado a través del tiempo, surge de la configuración de un lenguaje personal, cuyos elementos característicos han evolucionado, hasta presentarnos la experiencia actual. Las claves de este discurso dejan abierta la posibilidad de que el participante, durante la experiencia que le ofrece el recorrido, se proponga o configure un orden o secuencia en la manera cómo decide involucrarse con el espacio físico y visual creado.

La coexistencia, simultaneidad, secuencia, sucesión, serie, reiteración y aleatoriedad son algunas de las ecuaciones posibles que relacionan el universo de las video-imágenes que aquí se presentan y su contemplación en el recorrido. Del mismo modo, en este trabajo podemos constatar que la puesta en escena de cada imagen o conjunto de imágenes remiten a otra, y éstas a otras, y así sucesivamente hasta que, por extensión, el espacio escogido se convierte en un ambiente pleno de sugerencias, que invitan a proseguir el tránsito con la idea de abarcar su totalidad propiciando, así, la retroalimentación comunicativa entre el material expuesto, las circunstancias espaciales dadas, y las decisiones que asuma el interlocutor en cuanto al curso que decida establecer dentro de la escenografia planteada con la ambientación creada.

Ante lo comentado podemos señalar que las estrategias, procesos o principios aplicados por Castro en sus trabajos anteriores (fragmentación, serialización, segmentación, secuencia, simultaneidad, alteración temporal, la noción de ventana o retícula, la reiteración o loop, lo noción de mosaico o el efecto collage, entre otros) son ahora volcados en el espacio extendido de la sala, que funge como lo que en otras ocasiones se establecía en el espacio comprimido de la pantalla.

Esta video ambientación es completada por una serie de fotografías en gran formato extraídas de estos videos, que vuelve a reiterar bajo otro procedimiento y técnica la experiencia que se viene experimentándo en el desplazamiento y la observación activa.

Félix Hernández

Octubre de 2011

Bibliografía, entrevistas y páginas web consultadas

William Niño Araque (2007). http:/www.jaimecastroworks.blogspot.com

Nany Goncalves (2008). Jaime Castro Oroztegui. Colección arte venezolano (nro.11), Ministerio del Poder Popular para la Cultura, Instituto de las Artes de la Imagen y el Espacio

Jaime Castro (2011). Entrevista realizada al artista por Félix Hernández

Fuente: Lisa Blackmore


Inauguración de muestra individual de Terry Smith incluirá estreno de obra realizada en Caracas


El artista británico Smith estuvo en Caracas en abril este año donde desarrolló la instalación sonora y video Caracol. La obra fue realizada en Sabana Grande con veinte cinco estudiantes de canto y se estrenará durante la muestra de Smith en John Hansard Gallery en Southampton, Reino Unido.




Fuente: Lisa Blackmore